El Padul (Granada), Miércoles Santo, 27 de Marzo de 2.024.
Durante la Segunda Guerra Mundial (1.939 - 1.945) la ciudad de Leningrado (con más de 2,5 millones de habitantes, 400.000 de los cuales son niños - hoy, San Petersburgo) sufre un largo asedio (uno de los más largos y despiadados de la Historia).
El ejército soviético, bajo el liderazgo de Iósif Stalin (1.878 - 1.953), está decidido a defender Leningrado y a mantener la moral de la población. La ciudad resiste durante 872 días, y sus habitantes demuestran una tenacidad asombrosa frente a la adversidad. A pesar de los horrores del asedio, los ciudadanos no ceden ante el enemigo y mantienen una resistencia feroz. El ejército nazi, a las órdenes de Aldolf Hitler (1.889 - 1.945) tiene como objetivo capturar Leningrado (cuna de la Revolución) y eliminarlo como un centro cultural y económico de la Unión Soviética. Aunque logran cercar la ciudad, no pueden conquistarla por completo, pese a los continuos bombardeos y combates. Dimitri Shostakóvich (1.906 - 1.975), compone su Sinfonía nº 7 “Leningrado” que es estrenada en la ciudad el 9 de Agosto de 1.942, dirigida por Karl Eliasberg (1.907 - 1.978), director de la orquesta de radio de Leningrado e interpretada por unos músicos sacados del frente y de las bandas militares (sólo 20 de los 100 componentes de la orquesta habían sobrevivido). Se colocaron altavoces por las calles y se transmitió por radio. La Sinfonía se va a convertir en el símbolo de la resistencia soviética. La ciudad sufre un cerco implacable y sólo en invierno, cuando se congelan las aguas del lago Ládoga y del río Nevá, se puede establecer un precario corredor de suministros… insuficiente para satisfacer mínimamente, todas las necesidades de la población de la ciudad. Familias enteras fallecen de hambre (más de 600.000 personas). La urgente e imperiosa necesidad de paliar la hambruna, hace que los animales desaparezcan: primero las mulas, los caballos y los burros; después les siguen los animales del zoo, los perros y los gatos. Al final la población se alimenta de las palomas, los pájaros y las ratas… … éstas últimas, por la falta de enemigos naturales, se han reproducido sin control. Proliferan por toda la ciudad y tienen alimento en abundancia… gracias a los muertos y moribundos. Muy pronto, la proliferación de las ratas se convierte en un problema de primer orden: hordas de ellas, asaltan, atacan y roen las escasas provisiones de la ciudad… las Bibliotecas y Archivos… y hasta el Patrimonio Histórico Artístico de los Museos de la ciudad… … comienzan a devorar todo lo que aún se puede encontrar comestible… llegan a atacar a los niños enfermos y desnutridos y a los ancianos mientras duermen… la amenaza de epidemias (incluida la peste) se cierne sobre la ciudad… … ante la grave situación, las autoridades despliegan diferentes estrategias para perseguir y eliminar la plaga de ratas. El uso de armas de fuego e incluso de tanques para aplastarlas tiene resultados penosos… Durante el Invierno de 1.943 - 44, al abrirse el corredor, se autoriza un cargamento especial que, proveniente de Yaroslavl, Tyumen, Irkutsk y Omsk (las tres últimas, en Siberia) con el tiempo, se va a conocer como la “División Maullido”... son más de 5.000 gatos de raza siberiana, que llenan 4 vagones de tren… … Y, para tenerlos “bien motivados en el cumplimiento de su misión”, no son alimentados durante los días que dura el viaje. Algunos gatos son “liberados” en la Estación… y, el resto, distribuidos entre los distritos más afectados, los Museos y Palacios y entre los Hospitales de la ciudad. También los entregan a familias para su cuidado. Y la “División Maullido” hace un magnífico trabajo. La invasión de ratas es frenada y, poco a poco, eliminada. El jueves 27 de Enero de 1.944, las fuerzas soviéticas logran romper el cerco nazi y liberar Leningrado, poniendo punto final a 2 años, 4 meses y 19 días de asedio. Sin embargo, la ciudad queda devastada y con enormes pérdidas humanas. Se estima que más de 1.200.000 de personas han muerto debido al asedio: por el hambre, los bombardeos y las enfermedades… una catástrofe humanitaria de proporciones inimaginables. Colofón
Svetlana Alexievich (1.948 - Premio Nobel de Literatura 2.015) en su libro “Últimos testigos. Los niños de la Segunda Guerra Mundial” (2.016), ambientado en el asedio de Leningrado, escribe: “Cada día, (el gato) Vaska salía a cazar y traía de regreso a casa un ratón o incluso una gran rata. Mi abuela destripaba a los ratones y hacía estofado, mientras que con las ratas lograba hacer un buen goulash (...) El gato siempre se sentaba junto a ella (su abuela) y esperaba su turno para comer. Durante la noche, los tres se metían bajo la misma frazada y él las adormecía con su ronroneo (...) Cuando por fin se levantó el bloqueo de la ciudad y volvió a llegar comida, e incluso después de la guerra, mi abuela siempre guardaba los mejores trozos para el gato. Lo acariciaba cariñosamente diciendo ‘eres nuestro sostén’ (...) Vaska murió en 1.949 y mi abuela se las arregló para sepultarlo en el cementerio. Para que nadie pisoteara su tumba, le puso una cruz donde escribió ‘Vasily Bugrov’. Cuando llegó su momento, mi madre sepultó a mi abuela junto al gato, y luego, yo sepulté a mi madre con ellos. Hoy, los tres yacen juntos bajo la misma lápida, como en la guerra, los tres juntos bajo la misma manta”.
Tal es el apego de los rusos a sus gatos que tienen su propio “Día del Gato”, el 1º de Marzo. La ciudad siberiana de Tyumén (una de las principales proveedoras de los gatos de la “División Maullidos”), en la Plaza de los Gatos Siberianos, tiene 12 esculturas de gatos, en hierro fundido, recubiertos con una pintura dorada. En la calle Malaya Sadovaya de la actual San Petersburgo, desde el año 2.000, hay 2 esculturas que conmemoran estos hechos. Una en la fachada del número 8 (a la que se bautizó como “Elisha”) y otra en la cornisa del edificio número 3 (conocida como “Vasilisa”). Tanto la plaza y esculturas de Tyumén como las esculturas de San Petersburgo, son una muestra del respeto y el cariño que los rusos tienen por los gatos… que acabaron con la plaga de ratas, salvando el Patrimonio de la ciudad y las Vidas de sus habitantes, al evitar la proliferación de enfermedades transmitidas por los roedores.
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Hoy domingo, 24 de Marzo, Festividad del Domingo de Ramos, y duodécima semana del 2.024, se cumplen 51 años (sábado, 1.973) de la salida al mercado del octavo álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo “PINK FLOYD”: El legendario “THE DARK SIDE OF THE MOON” (“El Lado Oscuro De La Luna”); grabado en los famosos “Abbey Road Studios” de “The Beatles” en Londres; se convirtió en un éxito mundial sin precedentes, cambiando, para siempre, la forma de entender el Rock
El grupo quería sonar comercial y competitivo (en plena travesía de la década de 1.970), con David Gilmour (1.946) en la guitarra y voz, Nick Mason (1.944) en la batería y efectos de audio, Richard Wright (1.943 - 2.008) en los teclados, voz y el sintetizador VCS3 y Roger Waters (1.943) en el bajo, voz y el VCS3. Con el lanzamiento del álbum “Meddle” (1.971), “Pink Floyd” demuestra que son capaces de crear un álbum coherente y conceptual. Lo que les lleva a plantearse la idea de hacer un álbum que sea una obra completa, donde todas las canciones estén conectadas por un hilo conductor. Es así como surge la idea de “The Dark Side of the Moon”. Un álbum que sea una reflexión sobre la condición humana y cuyas letras hablen de temas universales: la vida, la muerte, el tiempo, la avaricia, la violencia, la discriminación y la locura. Para ello, Pink Floyd contrata al ingeniero de sonido Alan Parsons (1.948), quien ya había trabajado con la banda en el álbum “Meddle”, para que les ayude a llevar a cabo su visión. La grabación del álbum se lleva a cabo en los “Abbey Road Studios”, durante varias sesiones, desde Mayo de 1.972 hasta Enero de 1.973. Y es mezclado por el productor Chris Thomas (1.947). El diseño original del álbum lo realiza el colectivo británico “Hipgnosis”, fundado en 1.968 por Aubrey Powell (1.946) y Storm Thorgerson (1.944 - 2.013), este último, compañero de aulas en Cambridge de Gilmour y Waters. La famosa portada, simple, pero con una carga simbólica muy potente, que representa un espectro de prismas, es diseñada por Storm Thorgerson y dibujada por George Hardie (1.944). “El prisma hacía referencia a los efectos de luz en los conciertos de Pink Floyd. Así mismo, una mayor representación física del triángulo era la pirámide. Reflejaba la locura y, además, funciona como un símbolo de la desmesurada ambición. Las pirámides evocan asimismo el cosmos, pero también la locura. Todos estos aspectos se encuentran en el álbum. El espectro luminoso de la cubierta se prolonga en el dorso del estuche y en el interior del vinilo, para mostrar que todos los fragmentos mostrados en el disco están encadenados”. En la página web “LaHiguera.net”, he leído éste comentario que transcribo: “La música y la letra de todas las canciones fueron escritas durante un periodo de 7 semanas, mientras la banda preparaba una gira y buscaba producir nuevo material. De las frases que se escuchan, la mayoría fueron tomadas entregando cartas con preguntas en los Estudios Abbey Road incluyendo a miembros de “The Wings”, como Paul McCartney y su mujer Linda. Algunas de las preguntas fueron: “What does the phrase Dark Side Of The Moon means to you?”, en español: “¿Qué significa para ti la frase el lado oscuro de la luna?”, también: “Are you afraid of dying?”, en español: “¿Tienes miedo a morir?”, y “When was the last time you were violent and you were in the right?”, en español: “¿Cuándo fue la última vez que te pusiste violento y tenías razón?”. Las respuestas más espontáneas fueron puestas en el disco, como la de Henry McColluch que respondio "I dont know, I was really drunk at the time", en español: "No lo sé, estaba realmente ebrio en ese momento" (...) Algunos rumores dicen que Roger Waters estaba obsesionado con la película “El Mago de Oz” de Victor Fleming (1.939) y permanecía horas en el estudio para que todo el disco coincidiese con las secuencias del film”. Y es.rollingstone.com en su artículo “10 cosas que no sabías de “The dark side of the moon” de Pink Floyd”, comenta: “Desde el principio, la banda tenía la intención de llamar a su nuevo álbum “The Dark Side of the Moon”, (una referencia a la locura, en oposición al espacio exterior), pero cuando la banda británica de blues y rock “Medicine Head” lanzó en 1.972 un álbum con el mismo nombre, los integrantes de “Pink Floyd” reconsideraron “Eclipse”, su segunda opción. “No estábamos molestos con “Medicine Head”, dijo Gilmour a la Revista “Sounds”. “Estábamos molestos porque ya habíamos pensado en el título antes de que saliera el álbum de “Medicine Head”. Pero el nuevo trabajo de “Medicine Head” no tuvo el éxito que se esperaba, así que “Pink Floyd” se sintió en la libertad de volver al título original de su disco”. Para conseguir el sonido que buscan, utilizan numerosos trucos técnicos, muchos de los cuales son bastante innovadores para la época. Por ejemplo, para conseguir el sonido de la batería en la canción “Time”, Nick Mason introduce un micrófono en el interior de una lata de tabaco para conseguir un sonido más metálico. Para grabar la voz de Clare Torry (1.947) en la canción “The Great Gig in the Sky”, la hacen cantar en un cuarto de baño, para conseguir un sonido más reverberante. Utilizan mucho los sintetizadores; en esa época los sintetizadores aún no se han popularizado en la música rock, pero “Pink Floyd” utiliza en todas las canciones del álbum el VCS3, un sintetizador analógico de la marca británica EMS. Los primeros estímulos que un ser humano percibe son la respiración y después el latido del corazón. Con dichos sonidos se inicia la primera canción (“Speak To Me”) del álbum, y acaba también la última (“Eclipse”) con ésta frase: "There's no dark side of the moon really. Matter of fact, it's all dark" ("No hay lado oscuro en la Luna, en realidad toda la Luna es oscura"). En la canción “Time”, un despertador sonando a la vez en cientos de relojes nos anuncia que es tiempo de cambio, Alan Parsons fue el encargado de grabar estos sonidos en una tienda de antigüedades cerca de Abbey Road. Las canciones que componen el álbum, son: 1. Speak To Me (Nick Mason) / Breathe (In The Air) (Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright) (3:58). 2. On The Run (3:35 - David Gilmour, Roger Waters). 3. Time (7:05 - David Gilmour, Roger Waters, Richard Wright, Nick Mason). 4. The Great Gig In The Sky (4:44 - Richard Wright – Vocal composition by Clare Torry). 5. Money (6:23 - Roger Waters). 6. Us And Them (7:50 - Roger Waters, Richard Wright). 7. Any Colour You Like (3:26 - David Gilmour, Nick Mason, Richard Wright). 8. Brain Damage (3:48 - Roger Waters). 9. Eclipse (2:01 - Roger Waters). “The Dark Side of the Moon” es un disco conceptual, pero funciona igual de bien si se escuchan sus canciones por separado. Ya nada sería igual para “Pink Floyd” después de este disco. COLOFÓN
El periodista musical mexicano Enrique Blanc Rojas, ha escrito: “Se encuentra en el lugar número tres de los álbumes más vendidos de la historia. Son diez canciones las que contiene; 43 son los minutos totales de duración del disco, 43 es el lugar en que la revista Rolling Stone situa a ‘The dark side of the moon’ en el recuento de los 500 álbumes más importantes de todos los tiempos. Fueron 50 millones de copias vendidas y 937 semanas el álbum permaneció en las listas Billboard, es decir, más de 19 años”.
Un porcentaje de la buena crítica y del éxito de “The Dark Side of the Moon” se debe a Alan Parsons, quien es nominado al Grammy a la Mejor Ingeniería de Grabación (no clásica). Invitado a participar en el siguiente álbum de Pink Floyd, declina la oferta para fundar “The Alan Parsons Project” (1.975 - 1.990). “Pink Floyd” ha vendido más de 300 millones de discos en todo el mundo. Son los pioneros o creadores de estilos tan importantes como el rock psicodélico, el rock sinfónico y el progresivo. Su capacidad de modificar su sonido y explorar terrenos desconocidos, probablemente sólo sea comparable con “The Beatles” y su influencia en la evolución de la música popular es incalculable. Mañana domingo, 17 de Marzo, Festividad de San Patricio (385 - 461, misionero tradicionalmente considerado el introductor del catolicismo en Irlanda), y undécima semana del 2.024, se cumplen 224 años (lunes, 1.800), de la primera prueba, con éxito, de la Pila Electroquímica (precursora de la batería eléctrica) de Alessandro Volta (Alessandro Giuseppe Antonio Anastasio Volta, Como, Lombardía, 1.745 - Camnago, 1.827), literalmente una pila hecha con discos de cobre (o plata) y de zinc, colocados de forma alterna y separados por discos de cartón mojados en salmuera. BREVES NOTAS BIOGRÁFICAS Alessandro Volta es químico, físico e ingeniero. Un hombre de ciencia práctico y autodidacta, católico practicante, de misa y rosario diario, enemigo de las corrientes que intentan mezclar Magia y Ciencia e inmune a la presiones anticlericales y anticatólicas del Enciclopedismo y la Revolución francesa, reconocido por descubrir el metano (1.776, gas que él llama “aire nativo inflamable de pantano”), por perfeccionar el electróforo perfecto (1.775, aparato utilizado en la generación de electricidad estática inventando por el físico sueco Johannes Wilcke, 1.732 - 1.796) y de inventar y desarrollar el electrómetro condensador (un electroscopio con dos pajitas encerradas en un recipiente que terminaba exteriormente en una bola metálica y que podía detectar pequeñas cargas de electricidad y determinar si una carga era positiva o negativa) y la pila eléctrica. Nace en Como (Lombardía, ducado de Milán), el jueves 18 de Febrero de 1.745. Es el sexto de los siete hijos de una familia adinerada, formada por Filippo Volta (1.692 - 1.752) y Magdalena Inzaghi ( / - 1.782, hija de los condes Inzaghi). Su padre fallece (1.752) cuando Alessandro tiene sólo 7 años de edad. A su madre y a su familia la apoyan sus tíos clérigos: un canónigo y dos archidiáconos. Dos de sus hermanas se harán monjas. Y de sus hermanos, dos serán sacerdotes en la catedral de Como y otro fraile dominico. Su hermano Giovanni Serafino Volta (1.754 - 1.842): sacerdote y paleontólogo, escribe el primer tratado sobre ictiología fósil en Italia (“Ittiologia Veronese del Museo Bozziano, ora anesso a quello del conte Giovambattista Gazola, e di altri gabinetti fossili Veronesi”). En su juventud estudia Retórica y Filosofía con los jesuitas, pero en 1.761, cuando ingresa en el Real Seminario Benzi de Como, se hace amigo del canónigo Giulio Cesare Gattoni (1.741 - 1.809), también físico, quien le transmite la pasión por los temas científicos. Finalizado el Bachillerato comienza a interesarse por los fenómenos eléctricos y a leer los textos de Pieter van Musschenbroek (1.692 - 1.761), Jean - Antoine Nollet (1.700 - 1.770) y Giovanni Battista Beccaría (1.716 - 1.781), los tres principales científicos de la época en el campo de la electricidad. A partir de 1.765 y durante muchos años, utiliza el laboratorio que Guilio Cesare Gattoni, su amigo de la infancia, construye en su casa y pone generosamente a su disposición. En 1.769, con apenas 24 años, escribe su primer trabajo sobre electricidad y magnetismo: “De vitractiva ignis electrici ac phaeominis inde pendentibus” (“Sobre el poder de atracción del fuego eléctrico y sobre los fenómenos que de él dependen”). En 1.774, con 29 años, es nombrado Superintendente y Regente de las Escuelas Reales de Como. Un año después, el conde Carlo Giuseppe di Firmian, Gobernador General de Lombardía, le concede la Cátedra de Física Experimental en el Real Gimnasio de Como. En 1.776, durante sus vacaciones de verano en el Lago Maggiore (cerca de Angera), en casa de su amiga Teresa Castiglioni, descubre el gas metano, estudia sus propiedades explosivas… y construye un dispositivo llamado “Cañón de Volta”. El 6 de Noviembre de 1.780, el anatomista y médico Luigi Aloisio Galvani (1.737 - 1.798), amigo de Alessandro (los dos científicos intercambian mucha correspondencia), durante sus estudios de Fisiología, está diseccionando una rana fijada a un gancho de latón. Cuando toca su anca con el bisturí, se contraen los músculos. Galvani cree que la energía que impulsa esta contracción proviene de la propia rana y la llama “electricidad animal”. En 1.794, a Alessandro le interesa la idea y comienza a experimentar únicamente con metales, y llega a la conclusión de que el tejido muscular animal no es necesario para producir corriente eléctrica… y, fruto de sus experimentos, en 1.800 inventa la pila voltaica, una de las primeras pilas eléctricas que puede producir una corriente eléctrica constante y continua. El lunes 22 de Septiembre de 1.794, con 49 años de edad, contrae matrimonio con María Teresa Alonsa Peregrini (1.748 - ), en la Iglesia de San Provino de Como. Alessandro es un buen marido y padre y la familia tiene 3 hijos: Zanino (1.795 - 1.869), Flaminio (1.796 - 1.814) y Luigi Tobía (1.798 - 1.876). El 20 de Marzo de 1.800, escribe (en francés) al entonces Presidente de la Royal Society, Joseph Banks (1.743 - 1.820), para anunciarle el descubrimiento de una pila eléctrica. Esta carta es leída ante la Royal Society el 26 de Junio, y tras varias reproducciones del invento efectuadas por los miembros de la Real Sociedad, se confirma el invento y se le otorga el crédito de este. Nota: El término “batería”, se utiliza convencionalmente para indicar un generador de potencia electromotriz constante y éste nombre deriva de la disposición en batería del generador Volta, formada por apilamientos de discos de cobre (Cu) y zinc (Zn) y separados por una placa llena de una solución de electrolitos. En Septiembre de 1.802, viaja a París aceptando una invitación de Napoleón Bonaparte (1.769 - 1.821), para exponer las características de su invento en el Instituto de Francia, charlas en las que participa el propio Bonaparte. El 2 de Noviembre la Comisión de científicos distinguidos por la Academia de las Ciencias del Instituto de Francia encargados de evaluar el invento de Volta emite el informe correspondiente, asegurando su validez. Bonaparte, impresionado con la Pila de Volta y sus aportaciones a la Ciencia, le otorga la más alta distinción de la Institución, la Medalla de Oro al Mérito Científico (1.801). Lo nombra Senador del Reino de Lombardía (1.809) y Conde (1.810). Francisco I, Emperador de Austria (1.768 - 1.835), por su parte, lo designa (en 1.815) Director de la Facultad de Filosofía de la Universidad de Padua. En 1.819 se retira definitivamente a su casa de campo de Camnago, donde fallece el sábado 3 de Marzo de 1.827. COLOFÓN Alessandro es un científico pionero que realiza importantes aportaciones al campo de la electricidad. Estudia la capacitancia eléctrica, que es la capacidad de un material para almacenar energía eléctrica, y descubre que el potencial eléctrico (V) y la carga (Q) de un objeto determinado son proporcionales. Este descubrimiento, ahora conocido como la “Ley de Volta de la Capacitancia”, es tan influyente que la unidad de potencial eléctrico (unidad de fuerza electromotriz del Sistema Internacional de Unidades) recibe en 1.881, su nombre: el voltio. A pesar de su enorme éxito, sigue siendo una persona modesta y con los pies en la tierra, de hecho en una carta escribe: "No me hago vanidoso en señal de creerme más de lo que soy; y prefiero la tranquilidad a una vida agitada por la vanagloria y la dulzura de la vida doméstica”. El 21 de Abril de 1.863, la aldea de Camnago di Como, donde vivió y está enterrado Alessandro, pasa a llamarse Camnago Volta. Albert Einstein (1.879 - 1.955) declara en cierta ocasión que la "base fundamental de toda invención moderna" es precisamente la creación de la pila eléctrica. Antes de ella, no había forma de almacenar electricidad y sólo se podía generar poniendo en marcha máquinas enormes con discos que se frotaban creando electricidad estática que se detenía en cuanto se paraban los discos. El legado de Alessandro Volta se conmemora en el Templo Voltiano, situado en los jardines públicos del lago de Como (Italia). Este monumento se construyó en 1.928 para conmemorar el centenario de la invención de la pila eléctrica por Volta. Es un edificio neoclásico, diseñado por el arquitecto Giuseppe Terragni (1.904 - 1.943). En los jardines hay un busto de Volta y una placa conmemorativa de su invención de la pila eléctrica. El Museo Alessandro Volta, dedicado a su vida y obra, alberga algunos de los equipos originales utilizados por Volta en sus revolucionarios experimentos. Villa Olmo, una gran villa del siglo XVIII situada en Como (Italia), es la sede de la Fundación Volta (“Fondazione Alessandro Volta”), una Organización, fundada en honor a Alessandro Volta, dedicada a hacer avanzar el conocimiento científico y la investigación en los campos de la Física, la Química y la Ingeniería. La Fundación también organiza conferencias, seminarios y otros actos que reúnen a expertos de todo el mundo para debatir los últimos avances de la ciencia y la tecnología. En 1.964, un cráter de la Luna recibe el nombre de Volta en su honor, e incluso un mineral, descubierto en 1.841, es llamado Voltaíta. De 1.984 a 1.998 el retrato de Volta aparece en el anverso de los billetes de 10.000 liras italianas. CURIOSIDADES ELÉCTRICAS
Mañana domingo, 10 de Marzo, Festividad de Santa María Eugenia de Jesús (monja francesa que fundó en 1.839 la Congregación de Hermanas de la Asunción, canonizada por el Papa Benedicto XVI en 2.007) y décima semana del año 2.024, se cumplen 264 años (1.760) del nacimiento en Madrid del dramaturgo y poeta Leandro Fernández de Moratín (Leandro Eulogio Melitón Fernández de Moratín y Cabo, Madrid, 1.760 - París, 1.828), uno de los fundadores de la historiografía teatral española. También en Huétor Tájar (Poniente Granadino) va a tener lugar el Homenaje Popular en Memoria de Jorge Jesús Moreno Cáceres (1.972 - 2.023), Maestro de Educación Primaria en el Colegio “Elena Martín Vivaldi” (La Malagona) de Loja y miembro de la Corporación Municipal del Ayuntamiento de Huétor Tájar desde 1.999. Nota: El año del nacimiento de Leandro (1.760), llega a España (procedente de Nápoles) el Rey Carlos III (1.716 - 1.788), para suceder a su hermanastro Fernando VI (1.713 - 1.759). Tres hechos, fueron decisivos en la vida de Leandro: 1 - La viruela que le dejó marcas en la cara. En 1.764 contrae unas viruelas que le apartan del contacto de la gente y le marcan físicamente. Llega a peligrar su vida. Amargaron al niño y le hicieron poco o nada dado a participar en los juegos y distracciones propios de su edad. 2 - La condición de escritor de su padre. Leandro, de la escuela iba directamente a su casa, donde se refugiaba en la biblioteca o escuchaba atentamente en las tertulias de su padre. 3 - El oficio de joyero que había desempeñado, tradicionalmente, su familia. Su abuelo paterno, Nicolás Fernández de Moratín (1.737 - 1.780), además de literato, era jefe de guardajoyas de la Casa Real. De un muchacho tímido, que apenas participa en juegos, que está bajo el influjo de una tertulia literaria de gran calidad intelectual y que es joyero (con la minuciosidad y el virtuosismo que éste oficio comporta) no puede extrañar que acabe creando su propio mundo interior y lo describa con todo lujo de detalles… así, Leandro comienza a escribir poesías y, más tarde, obras de teatro (como “La derrota de los pedantes” o “El sí de las niñas”) que fueron lo mejor de la producción teatral española en el siglo XVIII. Por otra parte, Leandro, que toma partido por los “afrancesados” durante la invasión francesa y la guerra de la independencia (fue nombrado por José Bonaparte (1.768 - 1.844) bibliotecario de la Real Biblioteca) es un excelente traductor y adaptador de obras teatrales inglesas y francesas. Breves notas biográficas Hijo del poeta, dramaturgo y abogado Nicolás Fernández de Moratín (1.737 - 1.780) y de Isidora Cabo Conde ( / - 1.785). Su familia paterna, tiene raíces asturianas, es noble y está adscrita al servicio de Guardajoyas de la Reina. La de su madre es una familia honrada de labradores con raíces en Pastrana (Guadalajara). Isidora es sobrina de Mateo de las Nogueras, capellán de Palacio y de la Colegiata de La Granja. Leandro recuerda del Barrio madrileño donde nació: “Estaba lleno de criados, de empleados en las secretarías, de dependientes, de cómicos y de músicos de teatro: entre esta gente nací yo” y de sus primeros años de niñez: “Era yo el embeleso de mi familia: mi hermosura, mis gracias y mi talento natural me tenían siempre al lado de mis abuelos; allí comía, allí dormía cuasi habitualmente (...) Jugar y hablar con mi abuelo, e ir con él por las tardes a la huerta de Jesús, eran mis principales ocupaciones”. Es el primogénito y único superviviente de cuatro hermanos (Miguel, María y Facunda) fallecidos los menores con corta edad. Y él mismo estuvo a punto de morir a los 4 años, enfermo de viruela: “Quedé feo, pelón, colorado, débil, caprichoso, llorón, impaciente, tan distinto del que era antes, que no parecía el mismo”. En 1.769, con 9 años de edad, la familia se traslada a la calle de la Puebla. Conoce a Ignazio Bernascone, erudito y arquitecto militar italiano, cuya sobrina, Sabina Conti Bernascone, va a ser su primer amor infantil. “Salí de la escuela sin haber adquirido (...) ninguna amistad (...) ni supe jugar al trompo, ni a la taba, ni a la rayuela, ni a las aleluyas”. Es buen dibujante, y aunque se trunca la idea de perfeccionarse en Italia al lado del pintor neoclásico Anton Raphael Mengs (1.728 - 1.779), esta aptitud le sirve para trabajar en el taller de joyería que regenta su tío. Con 19 años de edad (1.779), el año de la Declaración de guerra a Inglaterra y del inicio del asedio a Gibraltar (el tercero desde la pérdida del Peñón), su romance endecasílabo “La toma de Granada por los Reyes Católicos” merece un accésit en un concurso convocado por la Real Academia Española. El 11 de Mayo de 1.780, fallece su padre, quedando en una difícil situación económica. Su sueldo como diseñador de joyas, apenas le permite vivir a él y a su madre. Escribe su “Oda a la muerte de don Nicolás Fernández de Moratín”. En 1.785, fallece su madre y Leandro se va a vivir con su tío Miguel, cerca de la Joyería Real, donde trabajan ambos. Al año siguiente, Leandro entra como Secretario al servicio del conde de Cabarrús (Francisco Cabarrús Lalanne, 1.752 - 1.810), rico financiero y político, por recomendación de su amigo Jovellanos (Melchor Gaspar de Jovellanos, 1.744 - 1.811). En 1.787, inicia su primer viaje a París (Francia) como secretario de Cabarrús; allí conoce al célebre dramaturgo italiano Carlo Goldoni (1.707 - 1.793). Y termina, por encargo, la zarzuela “El barón”. Vuelve a Madrid (1.788) y concursa sin éxito para la plaza de Bibliotecario de los Reales Estudios de San Isidro. Fallece el rey Carlos III y le sucede su hijo Carlos IV (1.748 - 1.819). Se ordena de primera tonsura (Órdenes Menores) en 1.789, para poder disfrutar de una renta eclesiástica del obispado de Burgos que le procura el conde de Floridablanca (José Moñino y Redondo, 1.728 - 1.808). Se publica “La derrota de los pedantes”. En el año 1.790, Cabarrús es encarcelado, después de ser denunciado a la Inquisición. Leandro es presentado a Godoy (Manuel Godoy y Álvarez de Faria Ríos, 1.767 - 1.851). Al año siguiente Godoy le consigue otra renta más sustanciosa de la parroquia de Montoro (Córdoba) y una pensión del obispado de Oviedo (que luego perdería). Con 31 años (1.791) solicita al conde de Floridablanca formar parte de la Academia de las Ciencias. Se retira a Pastrana (Guadalajara) y escribe las comedias “La comedia nueva” y "La mojigata”, de las cuales circulan copias manuscritas. En 1.792 y, gracias a la ayuda de Godoy, inicia un largo viaje que le lleva a Francia (donde queda impresionado por la violencia de la Revolución: Luis XVI es guillotinado), Inglaterra (cuyos habitantes considera orgullosos y de cuya lengua opina que “es infernal, y casi pierdo las esperanzas de aprenderla”), Flandes, Alemania (donde le llama la atención lo mucho que fuman), Suiza (y sus paisajes apacibles), e Italia, país en el que va a permanecer casi tres años, admirando sus ciudades y su ambiente artístico. Regresa a España en 1.796. Godoy le ha nombrado Secretario de Interpretación de Lenguas, puesto que toma posesión en 1.797. Es nombrado miembro de la Junta Gubernativa para la Reforma del Teatro (pero, cuando más tarde, le nombran Director de Teatros, renuncia). Un año después, conoce al genial pintor Francisco de Goya (Francisco José de Goya y Lucientes, 1.746 - 1.828, que pintará más tarde su retrato) y entabla relaciones amorosas con Paquita Muñoz (Francisca Gertrudis Muñoz Ortíz, de 18 años de edad), quien vive con sus padres en la calle de Silva. Sale con ella de paseo, van al teatro o a ver a los ahorcados, y le hace algunos regalos, como un abanico o unos pendientes. Con 38 años, Leandro no se decide a proponerle matrimonio… y, poco a poco, se distancian… A Paquita Muñoz, con la que conserva siempre una buena amistad, confiará su retrato pintado por Goya. En tiempos de José Bonaparte figura como Bibliotecario Mayor de la Biblioteca Real, y también como Consejero Público de varias Juntas. En el Verano de 1.812, cuando su seguridad corre peligro en Madrid (acusado de “afrancesado”, enfermo y con poco dinero), se traslada a Valencia. Y, al cabo de un tiempo se marcha a Peñíscola (1.813), donde sufre el asedio de las tropas españolas. De allí va a Barcelona (1.814). “Yo sigo haciendo aquí la vida tonta, sin otra diversión que la de leer un rato por la mañana, pasear una hora por la tarde y clavarme a la luneta (butaca del teatro) por la noche”. Tras la derrota de José I en la batalla de Vitoria (21 Junio 1.813), la mayor parte de los afrancesados salen de España con el derrotado ejército francés en 1.814, conformando el que es considerado el primero de los exilios masivos por motivos políticos que han tenido lugar en España a lo largo de la Historia. Se calcula que cerca de 12.000 españoles se encontraban en Francia en el momento álgido de la emigración de afrancesados, entre ellos eclesiásticos, miembros de la nobleza, militares, juristas, artistas y escritores. En 1.817, Leandro sale hacia Montpellier, París y Bolonia. Regresa 3 años más tarde, tras el triunfo de Riego (Rafael del Riego y Flórez, 1.784 - 1.823) pero vuelve a abandonar Barcelona en 1.821, cuando se declara la peste. Reside luego en Bayona y Burdeos, donde trata con frecuencia a Goya. Reveladores de su estado de ánimo ante los avatares políticos y su caída en desgracia son estos versos del soneto “La despedida”: “Dócil, veraz, de muchos ofendido, de ninguno ofensor, las Musas bellas mi pasión fueron, el honor mi guía. Pero si así las leyes atropellas, si para ti los méritos han sido culpas; adiós, ingrata patria mía.” Finalmente se traslada a París (1.827), repuesto parcialmente del ataque de apoplejía que le sobreviene a finales de 1.823 y que le deja muy mermado en movilidad. “Nadie viene a verme, porque yo no voy a ver a nadie, y los placeres del teatro que yo disfruto se reducen a ver los títulos de las piezas que se echan, en la lista que ponen los diarios”. Colofón El 16 de Abril de 1.828, fallece en Burdeos, Goya; y dos meses después, el 21 de Junio, lo hace en París, Leandro. Es enterrado en el cementerio parisino de Père Lachaise. Allí tuvo una hermosa sepultura, comprada por Silvela (Manuel Silvela y García de Aragón, 1.781 - 1.832), entre las de Molière y Lafontaine, en la que se leía: “Aquí yace Leandro Fernández de Moratín, insigne poeta cómico y lírico, delicias del teatro español, de inocentes costumbres y de amenísimo ingenio. Murió el 21 de Junio de 1.828”. Un Real Decreto del 15 de Julio de 1.853 dispone el traslado de los restos de Leandro a España. Tras la exhumación en el cementerio Père Lachaise su cadáver es depositado en la parisina iglesia de San Felipe de Roule. De allí son trasladados al cementerio extramuros de la Puerta de Bilbao el 8 de Octubre y el 12 de Octubre de 1.853 los restos de Moratín son llevados hasta la colegiata de San Isidro. Y finalmente, en 1.900, se construye en el cementerio sacramental de San Isidro, el Panteón de Hombres Ilustres (proyecto arquitectónico de Joaquín de la Concha Alcalde, 1.849 - 1.918, y las esculturas, obra de Ricardo Bellver Ramón, 1.845 - 1.924, situado en el Patio Cuarto, de la Purísima Concepción) para acoger los restos de cuatro grandes personajes de la historia de España: Francisco de Goya, Juan Meléndez Valdés (1.754 - 1.817), Juan Donoso Cortés (1.809 - 1.853) y Leandro Fernández de Moratín. Los cuatro habían fallecido fuera de nuestras fronteras. El 11 de Mayo tiene lugar el solemne traslado a San Isidro de los restos de los cuatro que, previamente, se han depositado en la capilla de Nuestra Señora del Buen Consejo. Tras una ceremonia en la catedral de San Isidro, un imponente cortejo con cuatro carrozas, inicia el camino hacia el cementerio. José Echegaray (1.832 - 1.916), Ricardo de la Vega (1.839 - 1.910), Eugenio Sellés (1.842 - 1.926) y Luis Silvela (1.865 - 1.928) llevan las cintas de Leandro.
El Padul (Granada), Viernes, 8 de Marzo de 2.024
Día Internacional de la Mujer y también, de San Juan de Dios Nota: Éste articulito de hoy para el Blog del Adarve, está dedicado a todas las mujeres. Seguramente muchas personas admiran las bailarinas que dibujó el genial pintor parisino Edgar Degas (1.834 - 1.917), pero quizás no conozcan un dato curioso: que la bailarina Rosita Mauri (Palma de Mallorca, 1.849 - París, 1.923) una excepcional primera bailarina de los principales teatros europeos de la época, es la protagonista de algunos de sus lienzos más conocidos. Breves notas biográficas
Hija mayor del maestro de ballet y coreógrafo, Pedro Mauri Aragonés (Reus, Tarragona, 1.830 - París, 1.906), y de Carmen Amada Segura, de origen mallorquín. Isabel Amanda Rosa Mauri Segura nace en Palma de Mallorca, el sábado, 15 de Septiembre de 1.849 y es bautizada en la parroquia de San Nicolás.
Es una niña prodigio, tenaz y temperamental y bajo la tutela de su padre, inicia su carrera. De él recibe sus primeras lecciones de Escuela Bolera y Danzas Españolas, interpretando desde muy niña fandangos, jotas y sevillanas. Debuta en Mallorca en 1.865 y, un año después, accede a bailar en el cuerpo de baile del Teatro Principal de Barcelona, contando como “partenaires” con Vicente Moreno, Vicente Moro y Manuel Panadero. Completa su formación en la técnica académica del denominado ballet extranjero (que hoy se llama ballet clásico) de la mano del coreógrafo y bailarín belga Henri Dervine, llegado al Teatro del Liceo en torno a 1.862. Su carrera va creciendo hasta convertirse en Primera Bailarina en baile español en el Teatro Principal de Barcelona en 1.871 y en Primera Bailarina del Liceo de Barcelona en 1.873. Tras algunas actuaciones en el extranjero como en 1.875, en el Teatro Imperial de Berlín donde la felicita el emperador Guillermo I de Alemania (1.797 - 1.888); Teatro Comunale de Trieste; Teatro Imperial de Roma y Teatro Regio de Turín, su carrera eclosiona gracias a una actuación en La Scala de Milán en 1.877, debido a la que el compositor Charles Gounod (1.818 - 1.893) recomienda que la contraten en el Ballet de la Ópera de París. Se convierte en “étoile” de la prestigiosa compañía parisina un año después, consiguiendo el favor del público que la apodó la ‘Patti del ballet’, en alusión a la soprano Adelina Patti (1.843 - 1.919). En la Ópera de París, crea papeles en los ballets “La Farandole”, “La Tempête” o “Sylvia”, este último con música de Léo Delibes (1.836 - 1.891), obra en la que establece el canon de interpretación. Su papel más recordado es “La Korrigane”, con coreografía de Louis Mérante (1.828 - 1.887) sobre música de Charles - Marie Widor (1.844 - 1.937), estrenado en 1.880 y que realiza más de 100 representaciones en la Ópera de París. Jules Massenet (1.842 - 1.912) en su ópera “El Cid” (1.885), crea el ballet especialmente para ella. Se retira de escena en 1.898 con la interpretación de “L’Étoile” de André Wormser (1.851 - 1.926), aunque sigue vinculada a la Ópera de París como maestra de ballet y mentora de gran parte de las bailarinas parisinas de comienzo del siglo XX. Su carácter y personalidad va a inspirar a numerosos artistas que la inmortalizan, como los pintores Edgar Degas, Édouard Manet, Pierre - Auguste Renoir, Anders Zorn, Léon - François Comerre, los escultores Denys Puech, Laurent - Honoré Marqueste, Eusebi Arnau y el fotógrafo Nadar. Muy conocidas en el mundo del ballet son las pinturas de Degas: “Fin d’arabesque” (1.877), "Danseuse sur scène” (1.878) o “Ballet vu d’une loge à l’Opéra” (1.885). También inspira a literatos como al poeta Stephane Mallarmé (1.842 - 1.898), quien tras verla actuar en “Le deux pigeons” escribe que está impresionado por “sa divination melee d’animalite” (su divina animalidad). Rosita Mauri fallece en su casa de París (rue Scribe 19), el lunes 3 de Diciembre de 1.923 y es enterrada en el cementerio Montparnasse en la tumba familiar donde descansan sus padres y sus hermanos. Colofón
Rosita Mauri irrumpe entre los tutús y las puntas de las reconocidas Marie Taglioni (1.804 - 1.884) y Fanny Elssler (1.810 - 1.884), y con el paso del tiempo, se ve eclipsada por el cambio radical de la nueva estética modernista, de la mano de Isadora Duncan (1.877 - 1.927).
La Ópera de París la reconoce como gran estrella, al esculpir su nombre tras su muerte, en la rotonda del Gran Teatro de la Ópera. A partir de 2.002, el Teatro Fortuny de Reus convoca el “Premio Internacional de Danza Roseta Mauri”, un concurso bienal para bailarines jóvenes, que surge a iniciativa de la Escuela Nacional de Danza de Madrid. Aparece como personaje secundario en la película de animación “Ballerina” (2.016).
Yo, el planeta Vulcano que conozco (por la serie de televisión norteamericana “Star Trek”, 1.966 - 1.969) es el ancestral hogar familiar del señor Spock; oficial científico y primer oficial de la nave estelar USS “Enterprise” (NCC-1701).
Pero Gene Roddenberry (1.921 - 1.991), creador de la serie, no se sacó ese nombre de la manga o de la chistera. El planeta existía. O al menos existía, en la “imaginación” de los astrónomos del siglo XIX. Entre los científicos de los siglos XVII y XVIII, ya se “especulaba” con la existencia de un planeta situado entre Mercurio y el Sol, el noveno del sistema solar. Así, astrónomos como Christoph Scheiner (1.575 - 1.650), Capel Lofft (1.751 - 1.824) y Franz von Gruithuisen (1.774 - 1.852), observaron, en distintos momentos, cuerpos opacos pasando por delante del sol. Nota: Hoy sabemos que lo que estaban viendo eran manchas solares, regiones de la superficie solar con una temperatura más baja y una intensa actividad magnética, y reconocibles a simple vista. Creían que había un planeta “escondido” más allá de Mercurio, uno que habría pasado inadvertido a los antiguos. Incluso le pusieron nombre. Por su cercanía al Sol, al astrónomo británico Thomas Dick (1.774 - 1.857) se le ocurrió llamarlo “Vulcano”, como el Dios Romano del Fuego, el herrero divino. Nota: Tenía sentido, pues, por la luz que desprende el Sol, un cuerpo tan pegado a él sería imperceptible, a no ser que pasara por delante. La búsqueda del planeta Vulcano, se convirtió en una obsesión científica. A modo de muestra: el astrónomo alemán Heinrich Schwabe (1.789 - 1.875), estuvo observando el cielo todos los días claros entre los años 1.826 y 1.843, sin ningún éxito. Y, de repente, en Diciembre de 1.859, Edmond Modeste Lescarbault (1.814 - 1.894) ve pasar un objeto, que sin duda tiene que ser Vulcano. Nota: Edmond es un médico francés, residente en Orgères-en-Beauce, sin formación en astronomía, que desde el año 1.853 viene observando el espacio con un telescopio refractario que se ha fabricado él mismo. Ayudado de un viejo reloj y del metrónomo con el que toma el pulso a sus pacientes, y observando su ubicación y dirección, calcula que ha tardado 1 hora, 17 minutos y 9 segundos en pasar por delante del Sol. Y calcula las características de “Vulcano”: Está a 21 millones de kilómetros del Sol, y su período orbital (el tiempo que tarda en dar la vuelta al Sol) es de 19 días y 17 horas. Eufórico, el médico escribe al matemático Urbain Le Verrier (1.811 - 1.877), director del Observatorio de París y el estudioso del espacio más respetado de Francia, porque pocos años antes (1.846), había descubierto el planeta Neptuno. Notas:
Tras recibir la carta, Le Verrier coge el primer tren hacia Orgères-en-Beauce. Como no existe ninguna prueba directa del avistamiento (la fotografía aún está en sus inicios), el científico tiene que dar por buena la palabra de Lescarbault y sus cálculos rudimentarios. Al cabo de unas semanas, a principios de 1.860, ya está anunciando la noticia en la Academia de Ciencias de Francia, Lescarbault recibe la Legión de Honor y periódicos de todo el mundo anuncian que se ha descubierto un nuevo planeta: “Vulcano”. Sólo faltaba encontrarlo. Sin embargo, pasan los años y no sucede como con Neptuno. Basándose en las predicciones de Le Verrier, astrónomos de todo el mundo buscan “Vulcano”, pero ninguno lo encuentra. Y los que dicen hacerlo, a menudo se contradicen entre ellos. Todo el asunto se convierte en una controversia, en la cual algunos astrónomos insisten que Vulcano existe y otros lo niegan. Le Verrier no vive para verlo, pero en 1.915, el físico Albert Einstein (1.879 - 1.955) en la Academia Prusiana de las Ciencias, da a conocer su “Teoría de la Relatividad General”, que cambia para siempre el modo de comprender la fuerza de la gravedad, hasta ese momento basado en la mecánica clásica. Einstein demuestra que las desviaciones en la órbita de Mercurio se deben a la curvatura del espacio - tiempo causada por la masa del Sol, y no a un “intruso”. Esto afecta a todos los planetas del sistema solar: todos presentan diferencias en su órbita con respecto a lo establecido por Newton. Lo que sucede es que Mercurio está más cerca de la masa solar, y por tanto su desviación es más acentuada que la de los demás. "Vulcano fue expulsado del cielo astronómico para siempre", escribió el escritor Isaac Asimov (1.920 - 1.992) en su ensayo científico "El planeta que no fue" de 1.975. Nota Final: Ilusión Infantil
Me encantaría imaginar… que quizás Asimov debió especificar que fue expulsado de nuestro Sistema Solar… y, que en un momento futuro, el hombre al "alcanzar lugares (del espacio) donde nadie ha podido llegar", siguiendo las cartas de navegación estelar (televisivas) del USS “ENTERPRISE”... encuentre a “Vulcano” y al señor Spock.
Hoy lunes 4 de Marzo, Festividad de San Casimiro (1.458 - 1.484, Santo Patrón de Polonia y Lituania), décima semana del año 2.024, se cumplen 50 años (lunes, 1.974), de la emisión en TVE-1 del primer programa de la Serie Documental de Naturaleza “El Hombre y la Tierra”, de Félix Rodríguez de la Fuente (Poza de la Sal, 1.928 - Shaktoolik, Alaska, 1.980). Serie que va a llegar a convertirse en uno de los espacios emblemáticos de la Historia de la Televisión en España.
Se ruedan y emiten tres temporadas (Serie venezolana - Fauna ibérica - Serie canadiense). 124 episodios. Grabados a todo color en 35 milímetros. Duración: entre 26 y 33 minutos. Último episodio emitido 20 de Junio de 1.981. Los primeros capítulos pertenecen a la "Serie venezolana". Están rodados en color, con calidad de cine, con la fabulosa fotografía de Teodoro Roa, Alfonso Nieva, Jorge Herrero y Alberto Beato. La música es de Antón García Abril, incluyendo su pegadiza y rítmica sintonía. El programa comienza a emitirse en TVE1 la noche de los lunes y tras un período inicial de inestabilidad en el día y horario de su emisión en antena, se asienta en la noche de los viernes, en la franja de mayor audiencia ("prime time"), entre las 22:30 y las 23 horas: después de la Segunda Edición del Telediario y el Especial Informativo y antes del programa - concurso de Chicho Ibáñez Serrador, "Un, dos, tres... responda otra vez". Notas: En el año 1.974, el canal VHF (Primera Cadena - TVE1) abre la emisión a las 14:00 horas con la "Carta de Ajuste", y cierra a las 23:35 con "Despedida, Oración y Cierre". En el canal UHF (Segunda Cadena - TVE2) abre la emisión a las 20:00 horas con la "Carta de Ajuste", y cierra a las 23:30 con "Última imagen". Sobre “El Hombre y la Tierra”: Como documento audiovisual, su valor es incalculable y establece un precedente en la forma de rodar (con una preciosa y espectacular fotografía) y de narrar (con unos buenos guiones). El resultado: los animales, la Naturaleza, como nunca se ha visto en televisión. A veces de forma cruda. Siempre con la intención de acercarnos lo máximo posible a nuestra Fauna en estado salvaje. Un trabajo que implica muchas horas de rodaje para conseguir la imagen perfecta. Trata de hacer un ejercicio de conciencia y sensibilizar al espectador. Félix cree en lo que dice y en lo que muestra. Quizás eso convierte a “El hombre y la Tierra” en un referente del género y a Félix en pionero de la concienciación ecológica. He recopilado algunos comentarios sobre Félix y su nuevo programa de televisión: Odile Patricia Rodríguez de la Fuente (Madrid, 1.973, Bióloga, conferenciante y divulgadora científica; hija de Félix): "(El Hombre y la Tierra) consiguió abrir una ventana hacia una Naturaleza que se desconocía hasta ese momento (...) (fue) totalmente disruptivo, no solo en España, sino en el mundo (...) lograba conectar con el público y su apuesta innovadora por la biomímesis (tomar como referencia la Naturaleza y el comportamiento y características de los seres vivos para hallar soluciones a problemas humanos) o el reciclaje, algo innovador para la década de 1.970 (...) (Mi padre) nos convocó durante años, alrededor del fuego figurativo de la televisión o de la radio, al compás de los tambores que identificaban la música de inicio de todas sus series, para recibir su mensaje. Un mensaje que brotaba espontáneo, embebido de un entusiasmo contagioso, fruto de su curiosidad, experiencias y viajes a los confines del mundo. Su mensaje buscaba reconectarnos con la Tierra, con nuestros orígenes, con nuestra verdadera esencia. Concentraba nuestra atención (hoy en día tan disminuida por el bombardeo continuo de contenidos triviales) para formarnos y hacernos mejores”. Guzmán Urrero Peña (Bilbao, 1.968, escritor y articulista especializado en biografías): “El Hombre y la Tierra', la utopía televisiva de Félix Rodríguez de la Fuente”, Septiembre 2.023: “Félix: un hombre culto, con una prodigiosa capacidad para narrar historias, fascinado por la vida y buen conocedor de las criaturas que nos acompañan en este viaje cósmico. Licenciado en Medicina por la Universidad de Valladolid y graduado en estomatología en Madrid, empleó los conocimientos científicos que adquirió como estudiante para volcarse en su verdadera pasión: la biología. En este sentido, fue muy importante el influjo que tuvo sobre Félíx un biólogo excepcional, José Antonio Valverde (...) Más allá de sus éxitos televisivos, Rodríguez de la Fuente inspiró a toda una generación de biólogos y naturalistas gracias a su Enciclopedia Salvat de la Fauna (1.970 - 1.973). Sin su incansable labor en la radio, la pequeña pantalla y la prensa, el conservacionismo no hubiera adquirido la fuerza que tuvo entre nosotros en los años setenta”. Benigno Varillas Suárez (Tudela Veguín, Asturias; 1.953), “Félix Rodríguez de la Fuente. Su vida, mensaje de futuro” (2.010): “El operativo era tremendo y no las tenía todas consigo. Necesitaba reforzar la expedición con alguien experimentado en viajar por zonas remotas. Fue entonces cuando llamó a su amigo y compañero en la directiva de Adena, Jorge de Pallejá, famoso por sus intrépidos viajes en moto a través del Sáhara y sus safaris cinegéticos por medio mundo (...) pidió, tanto en los rodajes de Venezuela, como después en España, llevar en su equipo a los mejores profesionales, recursos para construir platós y rodar al natural en el campo; medios para capturar animales o trasladar a otros ya cautivos desde zoos, y mantenerlos en semilibertad para filmar primeros planos con detalle (...) Convenció al Instituto para la Conservación de la Naturaleza del Ministerio de Agricultura (Icona), para que asumiera los gastos de arrendar dos kilómetros de las hoces del río Dulce, en Guadalajara, a los vecinos y al Ayuntamiento de Pelegrina”. Gracias a ésta Serie centrada en buena parte sobre la Naturaleza de España, millones de españoles tomaron conciencia de lo importante que es la Conservación de nuestra Fauna y Flora. RTVE hizo un trabajo impagable para la Conservación de la Naturaleza con esa Serie repetida varias veces a través del tiempo para recordarnos lo importante que es respetar el Medioambiente. “El Hombre y la Tierra”, desde la primera Serie realizada en Venezuela (1.973 - 1.974), se convierte en uno de los estandartes de la producción televisiva de calidad para Televisión Española, que sigue utilizando el programa con orgullo como reclamo publicitario y ejemplo de excelencia. A la que hay que reconocer el esfuerzo de producción, su apuesta clara por la exportación del programa a otros países, por el marcado carácter científico de la empresa y por la medida de calidad del programa, que gira invariablemente en torno a la especial imagen y personalidad de Félix Rodríguez de la Fuente. COLOFÓN
En el año 2.000, la Academia de las Ciencias y las Artes de la Televisión de España, eligió a “El Hombre y la Tierra” como la mejor producción de la historia de RTVE.
Félix Rodríguez de la Fuente (“Animales salvajes de África Oriental”, 1.976): “Nunca podré olvidar los interminables días de la primavera de mi infancia. Tendido sobre un verde prado con los ojos clavados en las altas y redondas órbitas de los buitres, escuchaba serenamente el canto del mirlo, dulce y suculento como una fruta madura. Desde los álamos de plata se mezclaba con él la líquida flauta de la oropéndola. Y de las altas peñas bajaba el grito de guerra del cernícalo cuando cruzaba frente a su nido el pavonado cuervo carnicero. Y gravitando en mi imaginación, sacudiéndome emocionadamente el corazón, estaban los relatos de los pastores con sus eternos y míticos lobos (...) Me atrevería a explicar las causas profundas de mis campañas proteccionistas como una mezcla de admiración hacia las criaturas libres y salvajes, de espíritu crítico ante cualquier punto de vista de la sociedad en que me ha tocado vivir y de una auténtica necesidad vital de entregar mi esfuerzo, sin restricciones, a cualquier acción que, pareciéndome justa, me exija un enfrentamiento contra lo que considero fruto de la rutina, la falta de información cultural y la actitud arcaica”. Hoy domingo, 3 de Marzo, Festividad de San Emeterio (soldado romano decapitado por profesar el cristianismo. Calahorra, La Rioja, 298 D.C.), novena semana del año 2.024, se cumplen 511 años (1.513) del inicio de la expedición del explorador y conquistador, Juan Ponce de León (Santervás de Campos, Valladolid, c. 1.465 - La Habana, Cuba, 1.521), en la búsqueda de BIMINI, la Fuente de la Eterna Juventud, donde quienes entran a bañarse como viejos salen como jóvenes, donde quienes beben sus aguas curan todas sus dolencias y recuperan el vigor sexual. Se dice que la Fuente de la Eterna Juventud está en Bimini Sur, una de las 724 islas que conforman las Bahamas. Los nativos de Puerto Rico y Cuba hablaban de que allí se encontraba una fuente que "convertía a los viejos en mozos", un rumor que llegó a muchos aventureros españoles. Juan Ponce de León, primer Gobernador de Puerto Rico, parte rumbo Noroeste desde el puerto de San Germán, con dos naos (Santa María de la Consolación y Santiago) y un bergantín (San Cristóbal). Antecedentes Durante milenios, encontrar el elixir de la eterna juventud, fue el sueño de alquimistas, hechiceros y magos. Y leyendas llegadas desde los más lejanos rincones de la Tierra hablan de ríos, fuentes, árboles, frutos y pócimas con poderes para rejuvenecer a los hombres. Ya en Babilonia, el agua es considerada el símbolo de la vida (por su poder curativo y fertilizante) y Ea, Dios de las Aguas Dulces, surte las corrientes, canales y ríos. En el Epílogo del “Código de Hammurabi”, se invoca al dios Hadad para que prive a los enemigos de la lluvia del cielo y de las aguas de las fuentes. Los asirios rinden culto a Ishtar, diosa del amor y de la guerra, purificadora de las aguas y patrona de los manantiales “que traen la vida”. En Egipto se diviniza al Nilo en el dios Hapi, abastecedor de fuentes y manantiales, y es representado sosteniendo dos plantas: el “papyrus” y el “lotus”, o bien dos vasos de los que manan sendos ríos. En la India, a las Apsarás (ninfas que habitan las aguas, fuentes, lagos y ríos, especialmente el Ganges), se les atribuye la misión de conducir las almas de los guerreros muertos en los campos de batalla a la mansión del Sol. Los griegos, desde los albores de su cultura, consideran que el agua que mana de las fuentes, corredora y murmuradora, posee un espíritu personal inmanente, “daimon” o “numen”, al que dan una forma concreta definida, relacionándolo con divinidades superiores como Hermes, Apolo, Artemisa y Dionisios. En cuanto a la leyenda de la Fuente de la Eterna Juventud, se dice que los iranios creían en la existencia de una fuente de la vida, Adnisur; el historiador y geógrafo griego Heródoto hace alusión a ella en el tercer volumen de sus Historias. Se cuenta que Alejandro Magno buscó el agua de la inmortalidad en la India. Y La Biblia, en el capítulo 5 del Evangelio de San Juan, dice: “Un ángel descendía de tiempo en tiempo al estanque y agitaba el agua; y el que primero descendía al estanque después del movimiento del agua, quedaba sano de cualquier enfermedad que tuviese”. Según Claudio Eliano (siglo II), la “Terra incognita” existía y en ella un río llamado Voluptuosidad; quien comía de los frutos de los árboles que a sus orillas crecían “paulatinamente se rejuvenecía, pasando de la ancianidad a la edad viril, de ésta a la juventud, y luego a la adolescencia y la niñez, hasta reducirse a la nada”. El personaje ficticio Juan de Mandeville, del “Libro de las Maravillas del Mundo”, afirma: “Y al pie desta montaña [Plumbe] está una fuente que ha olor y sabor de todas las especias, y en cada hora muda su olor y su sabor; y si alguno bebe de aquella agua tres vegadas en ayuno, sana de cualquier enfermedad que haya. Y los que allí moran beben muchas veces de aquesta agua, por lo cual ellos no tienen alguna enfermedad. E yo he bebido tres o cuatro vegadas de aquella agua, y parésceme que yo valgo más por aquello agora. E dicen que aquella fuente viene del paraíso, y que por tanto es tan virtuoso. E por tanto éstos que cada día beben della, paresce que sean mozos. Por donde algunos dicen que la llaman la fuente de la mocedad”. Ponce de León y Bimini Algunos historiadores señalan que Ponce de León llega a las entonces llamadas Indias Occidentales en 1.493, en el segundo viaje de Cristóbal Colón (1.451 - 1.506); pero otros, que lo hace en 1.502, con la flota de Nicolás de Ovando (1.451 - 1.511). Dos años después, lo encontramos asentado como rico hacendado en La Española (la actual República Dominicana y Haití), isla en cuya colonización ha participado como capitán en las guerras del Higuey y es nombrado capitán de las tropas de Santo Domingo. Tras la pacificación, participa en la fundación de los pueblos de Salvaleón de Higuey y Santa Cruz de Aycayagua. En la cercana isla de Puerto Rico (entonces llamada San Juan Bautista) circulan rumores sobre la existencia de oro y, en 1.508, solicita permiso real para colonizarla. Lo consigue y es nombrado su gobernador. Pero la llegada en 1.509 del hijo de Cristóbal Colón (Diego, 1.479 - 1.526) pone fin a tal potestad, al ser nombrado nuevo gobernador de las tierras que su padre ha descubierto en el Nuevo Mundo y Ponce tiene que firmar su Capitulación y buscar otros lugares donde asentarse y enriquecerse, aunque ya posee importantes propiedades y plantaciones. Solicita permiso real para explorar ciertas islas del Noroeste, donde se supone que hay fabulosas riquezas. Y así, el cronista Antonio de Herrera y Tordesillas (1.549 - 1.626) en su “Historia General de los hechos castellanos en las Islas y Tierra Firme del mar Océano” (1.601), señala: “Hallándose Juan Ponce de León sin oficio y viéndose rico, determinó de hacer alguna cosa con que ganar honra y acrecentar su hacienda, y como había nueva que se hallaban tierras a la banda del Norte, acordó de ir a descubrir hacia aquella parte”. En el año 2.000, el historiador Robert H. Fuson explica en su obra “Juan Ponce de León and the Spanish Discovery of Puerto Rico and Florida”, que “(Ponce de León) buscaba Bimini, una región vagamente descrita por los indios arahuacos –o taínos– de La Española, Cuba y Puerto Rico como una tierra rica al noroeste. Aseguraban que existía un paraíso en Bimini, una de las islas del archipiélago de las Lucayos, en las Bahamas, y que un tal Sequene, jefe arahuaco de Cuba, había efectuado una expedición en busca de una fuente con poderes curativos. Sin embargo, Sequene nunca regresó”. El 23 de Febrero de 1.512 el rey Fernando otorga en Burgos una Capitulación a Juan Ponce de León con el propósito de ir a descubrir y poblar la isla de Bimini. Tras varias semanas de navegación, el Domingo de Resurrección o Pascua Florida (27 de Marzo de 1.513), la expedición descubre lo que parece una isla, a la que bautizan la Florida (por la efeméride y por tratarse de un territorio de frondosa vegetación). El inca Garcilaso (1.539 - 1.616) describe así ese momento: “con tormenta, dio en la costa al septentrión de la isla de Cuba, la cual costa, por ser día de Pascua de Resurrección cuando la vio, la llamó Florida y fue el año de mil y quinientos treze, que según los computistas se celebró aquel año a los veinte y siete de marco”. Pero el recibimiento de los nativos no es amistoso. La visión de aquellos hombres “acorazados” que vienen en “casas flotantes” les parece tan amenazadora que los atacan, por lo que Ponce y sus hombres levan anclas y se dedican a costear hacia el Sur, en navegación magistral del piloto Antón de Alaminos, reconociendo cabos y ensenadas. El 2 de Abril toman tierra al Norte de cabo Cañaveral y reconocen la costa hacia el Sur a pesar de la dificultad de navegar contra la corriente a través del canal de las Bahamas… han descubierto la Corriente del Golfo, que fluye de Sur a Norte y va a ser utilizada por los navíos españoles, cargados de plata, como ruta de regreso habitual en su tornaviaje hacia la península ibérica. Tras el descubrimiento, Ponce de León regresa a España para informar al monarca y asegurar su hallazgo. Se le otorga una nueva Capitulación para poblar Bímini y Florida, y es nombrado Adelantado. Permanece en España desde finales de 1.516 hasta 1.518, pero ante los nuevos descubrimientos en América, solicita permiso real para seguir explorando, aunque su viaje se retrasa debido al fallecimiento de su esposa Leonor. Finalmente, equipa a su costa dos carabelas y sale del puerto de San Germán el 26 de Febrero de 1.521. El inca Garcilaso, escribe sobre la expedición de Ponce de León: “armó dos carabelas y fue en demanda de una isla que llamaban Bimini y según otros Buyoca, donde los indios fabulosamente decían había una fuente que remozaba a los viejos, en demanda de la cual anduvo muchos días perdido, sin la hallar”. El cronista Pedro Mártir de Anglería (1.457 - 1.526), en el capítulo X de su “Década II”, dice: “a la distancia de trescientas veinticinco leguas de la Española, cuentan que hay una isla, los que la exploraron en lo interior, que se llama Boyuca o Ananeo, la cual tiene una fuente tan notable que, bebiendo de su agua, rejuvenecen los viejos. Y no piense Vuestra Beatitud que esto lo dicen de broma o con ligereza: tan formalmente se han atrevido a extender esto por toda la corte, que todo el pueblo y no pocos de los que la virtud o la fortuna distingue del pueblo, lo tienen por verdad. Pues si Vuestra Santidad me pregunta mi parecer, responderé que yo no concedo tanto poder a la naturaleza madre de las cosas, y entiendo que Dios se ha reservado esta prerrogativa cual no menos peculiar que es escudriñar los corazones de los hombres o sacar las cosas de la nada, como no vayamos a creer la fábula de Medea acerca del rejuvenecimiento de Esón o la de la Sibila de Eritrea, convertida en hojas”. Mientras que, el cronista Gonzalo Fernández de Oviedo (1.478 - 1.557), escribe: “y entonces se divulgó aquella fábula de la fuente que hacía rejovenescer o tornar mancebos los hombres viejos; esto fue el año de mili e quinientos y doce. E fue esto tan divulgado e certificado por indios de aquellas partes, que anduvieron el capitán Joan Ponce y su gente y carabelas perdidos y con mucho trabajo más de seis meses, por entre aquellas islas, a buscar esta fuente. Lo cual fue muy gran burla decirlo los indios, y mayor desvarío creerlo los cristianos e gastar tiempo en buscar tal fuente (...) e cómo anduvo en busca de aquella fabulosa fuente de Bimini, que publicaron los indios que tornaba a los viejos mozos. Y esto yo lo he visto (sin la fuente), no en el subjeto e mejoramiento de las fuerzas, pero en el enflaquecimiento del seso, e tornarse, en sus hechos, mozos y de poco entender, y déstos fue uno el mismo Joan Ponce, en tanto que le turó aquella vanidad de dar crédito a los indios en tal disparate, e a tanta costa suya de armadar de navios y gentes (...) después que descubrió a Bimini e le dio el Rey título de adelantado por lo que había gastado e servido en sus armadas e buscando aquella fuente de Bimini, que los indios habían dado a entender que hacía renovar e retoñecer e refrescar la edad e fuerzas del que bebía o se lavaba en aquella fuente, como todo aquello paró en la vanidad que debía de parar una cosa tan fabulosa e mendace, e vido que había seído burlado e mal informado, no cansado por gastos ni trabajos, volvió a armar con más acuerdo y expensas”. Parte con 200 hombres y 2 carabelas, y desembarcan cerca de lo que hoy es la bahía de Tampa, pero inmediatamente son atacados por los indios Calusa, con tal violencia que mueren todos los soldados menos 7, y el propio Ponce de León recibe una flecha envenenada. En estado grave reemprende el regreso a La Habana, donde fallece a los pocos días, siendo enterrado en la catedral de San Juan de Puerto Rico. Junto al pueblo floridano de Sarasota existe un lugar llamado Warm Mineral Springs. Es un balneario, y a la entrada un mural dice lo siguiente: “este manantial es el que buscó en vano Ponce de León. Oyó de los indios su existencia, y en 1.521 hizo su segundo viaje para la búsqueda de esta fuente. Sus barcos fueron anclados en Charlotte Harbor, algo al Sur del manantial, y de resultas de un ataque indio resultó herido, regresando y muriendo poco después”. Colofón Ponce de León jamás llegó a pisar la isla de Bímini. Y es que una vez descubrió Florida, se concentró en explorar esta nueva tierra de la que seguía pensando que era una gran isla, buscando nuevas riquezas y batallando contra los nativos de esta península, iniciando así la exploración y colonización española de América del Norte. Tras la muerte de Ponce de León, varias expediciones continúan con la exploración y colonización de lo que hoy son los Estados Unidos. Aventureros como Lucas Vázquez de Ayllón (1.478 - 1.526), Pánfilo de Narváez (1.470 - 1.528), Tristán de Luna (1.510 - 1.573), Hernando de Soto (1.500 - 1.542) o Francisco Vázquez de Coronado (1.510 - 1.554) siguen el ejemplo de Ponce de León hasta que en 1.565, Pedro Menéndez de Avilés (1.519 - 1.574) funda la ciudad San Agustín. El Padul (Granada), miércoles, 28 de Febrero de 2.024. En la mayoría de países de toda la cuenca mediterránea, el ciprés es uno de los árboles que suelen adornar los cementerios. Sobre el ciprés, he leído en la página https://www.tesaurohistoriaymitologia.com/es/ : “Este árbol es uno de los atributos de Plutón. Trae su nombre de Cipariso. La ciudad de Ciparisa, en la Fócida, fue llamada así en lo sucesivo, por estar rodeada de cipreses. Los griegos conservando la costumbre de algunos pueblos antiguos, colocaban este árbol sobre los sepulcros y monumentos funerarios. Su ramaje sombrío y lúgubre, parecía llamar, en efecto a la melancolía y el dolor. Este árbol no fue consagrado solamente a Plutón. Esculapio, tenía un templo, cerca de Sicione, rodeado enteramente de cipreses. Los latinos daban al ciprés, lo mismo que a Plutón, el sobrenombre de "feralis, árbol fúnebre", y los etruscos, los habitantes de Fiezoli, los asculanos y el pueblo de Verona adornaban con él sus lámparas funerarias. Los mismos pueblos rodeaban de cipreses los altares de los dioses infernales y los sepulcros de los grandes hombres Tal fue en Roma el de Augusto colocado en el campo de Marte. Se cubría también con ramas de este árbol el pavimento de las casas de los desgraciados y delincuentes. Era así mismo la señal del dolor y la desesperación. Todas las víctimas que se ofrecían a Plutón eran coronadas de ciprés, y los sacerdotes, en los sacrificios establecidos en honor de este dios, llevaban siempre sembrados sus vestidos con hojas de este árbol”. Hay distintas versiones, que explican el porqué el ciprés es el arbol de nuestros cementerios:
En la Mitología Griega, Cipariso fue un bello joven nacido en la Isla de Ceos, hijo de Télefo (personaje vinculado a la Guerra de Troya y descendiente de Heracles). Pero, para saber sobre Cipariso, vamos a acudir a la fuente de los clásicos, en éste caso al poeta romano Ovidio (Publio Ovidio Nasón, 43 a.C. - 17 d.C.): “ (...) sagrado para las ninfas que poseen de la Cartea los campos, un ingente ciervo había, y con sus cuernos, ampliamente manifiestos, él a su propia cabeza altas se ofrecía sus sombras; sus cuernos fulgían de oro, y bajando a sus espaldillas, colgaban enjoyados collares en su torneado cuello; una borla sobre su frente, argentina, con pequeñas cinchas atada se le movía, y de pareja edad, brillaban desde sus gemelas orejas alrededor de sus cóncavas sienes, unas perlas. Y él, de miedo libre y depuesto su natural temor, frecuentar las casas y ofrecer para acariciar su cuello, a cualesquiera desconocidas manos, acostumbraba. Pero, aun así, antes que a otros, oh el más bello de las gentes de Ceos, grato te era, Cipariso, a ti. Tú hasta los pastos nuevos a ese ciervo, tú lo llevabas del líquido manantial hasta su onda, tú ora le tejías variegadas por sus cuernos unas flores, ahora, cual su jinete, en su espalda sentado para acá y para allá contento blanda moderabas su boca con purpurinos cabestros. El calor era, y mediado el día, y del vapor del sol, cóncavos hervían los brazos del ribereño Cáncer. Fatigado, en la herbosa tierra depositó su cuerpo el ciervo, y de la arboleada sombra se llevaba el frío. A él el muchacho, imprudente, Cipariso, le clavó una jabalina aguda, y cuando lo vio a él muriendo de la salvaje herida decidió que él quería morir. Qué consuelos no le dijo Febo y cúanto le advirtió que ligeramente y con relación a su motivo se doliera. Gime él, aun así, y de presente supremo esto pide de los altísimos, que luto él sintiera en todo tiempo. Y ya agotada su sangre por los inmensos llantos hacia un verde color empezaron a tornarse sus miembros y los que ahora poco de su nívea frente colgaban, sus cabellos, a volverse una erizada melena y, asumida una rigidez, a contemplar, estrellado, con su grácil copa el cielo. Gimió hondo y triste el dios: “Luto serás para nos, y luto serán para ti otros, y asistirás a los dolientes”. (Ovidio. Libro X de “Las Metamorfosis”). NOTAS:
Según algunos autores, el mito de Cipariso representa el paso de la adolescencia a la madurez, mostrando un muchacho que se inicia en la caza y las artes de la guerra y que debe ser transformado para convertirse en adulto. El Diccionario de la Real Academia de la Lengua, dice de la palabra “cipariso”: “Del lat. cyparissus, y este del gr. κυπάρισσος kypárissos. 1. m. poét. ciprés”. Si os fijáis bien, observaréis que Cipariso aún sigue llorando... cuando sus lágrimas, convertidas en resina, resbalan por su tronco…. “No se olvida lo que se muere, se muere lo que se olvida”
(José Saramago, 1.922 - 2.010). Hoy, domingo, 25 de Febrero, Festividad de Santa Aldetrudis (abadesa y virgen, 696), octava semana del año 2.024, se cumplen 183 años (1.841) del nacimiento en Limoges (Francia) de Pierre - Auguste Renoir, el pintor de la Alegría: para él, pintar significaba la Alegría de Vivir, la búsqueda de la Belleza y la fascinación frente a la Naturaleza. Breves notas biográficas Auguste es el sexto hijo de una familia muy humilde, formada por el sastre Leonard Renoir (1.799 - 1.874) y la costurera Marguerite Merlet (1.807 - 1.896). Cuando tiene 3 años (1.844) su familia se traslada a París. Habitan en una modesta morada en la calle Argenteuil, cerca del Museo del Louvre. Con 7 años, en 1.848, comienza a asistir a una escuela religiosa dirigida por los Hermanos de las Escuelas Cristianas. Dada su gran habilidad para el solfeo, sus maestros lo incluyen en la coral de jóvenes varones de la iglesia de Saint-Eustache, dirigida por el compositor Charles Gounod (1.818 - 1.893). En el amplio patio del Museo del Louvre, el pequeño Auguste juega a policías y ladrones con sus amigos. Para él, es completamente natural entrar en el antiguo Palacio Real (convertido en célebre Museo después de la Revolución), y pasear por las galerías de escultura antigua, permaneciendo allí durante horas. Según su hermano menor (Edmond), su deseo de forjar una carrera artística es ya apreciable desde su niñez, cuando dibuja sobre las paredes con trozos de carbón. A los 13 años de edad (1.854), Auguste comienza su aprendizaje en el taller de los hermanos Lévy (Lévy Frères & Compagnie - 76, rue des Fossés - du - Temple), decoradores de porcelana (Posiblemente sus padres esperaban que Auguste se especializara en este oficio, que en aquella época estaba muy bien remunerado). Auguste va tomando el gusto al oficio: al finalizar el día, acude a cursos gratuitos de dibujo. Demuestra un rápido progreso y, tras unos meses de aprendizaje, se le confía la realización de trabajos regularmente asignados a los obreros experimentados. Émile Laporte, uno de los obreros de los Lévy, practica por gusto la pintura al óleo y le permite a Auguste hacer uso de sus telas y sus colores. Empieza pintando abanicos y persianas y coloreando escudos de armas. Un buen día se pasa a los retratos. En 1.858, el negocio de los hermanos Lèvy quiebra y Auguste trata de montar su propio negocio. Durante este periodo, entre otras cosas, decora las paredes de un café de la Rue Dauphine. El siguiente año empieza a colaborar con Gilbert, un artista especializado en imágenes sacras, en su Taller de la rue du Bac: gracias a estos trabajos puede costearse un curso nocturno de dibujo. En 1.862, entra en la escuela de Bellas Artes y asiste a las clases del pintor de origen suizo Marc Charles Gabriel Gleyre (1.806 - 1.874), perfeccionando así aspectos técnicos de su formación. Las enseñanzas académicas no le satisfacen, pero en cambio, conoce en la Escuela a una serie de pintores jóvenes: Claude Monet (1.840 - 1.926), Frédéric Bazille (1.841 - 1.870) y Alfred Sisley (1.839 - 1.899)… los futuros “Impresionistas”, grupo en el que, con el tiempo, se va a integrar y va a llegar a ser uno de sus miembros más destacados. Juntos, frecuentan el Café Guerbois (conocido lugar de encuentro de artistas e intelectuales). Pronto, sintiendo "claustrofobia" de las técnicas academicistas, los cuatro amigos empiezan a pintar en espacios abiertos, a menudo en el bosque de Fontainebleau o en pueblo de Marlotte. Renoir tiene una relación muy estrecha con Monet. Sucede, que ambos colocan sus caballetes uno al lado del otro y pintan así, como cuando inmortaliza n en dos cuadros distintos el célebre conjunto balneario de la Grenouillère. Nota: En Bougival, una localidad a la orillas del Sena, hay un balneario alrededor del islote de Croissy llamado, en tono humorístico, Grenouillère, “estanque de ranas”, muy frecuentado por la burguesía francesa. Renoir va allí para retratar el paisaje. Son tiempos de felicidad y creatividad, pero también de miseria. No tiene ni una moneda. Suerte que cuenta con la ayuda de sus amigos (siempre que éstos pueden). En 1.864 se expone por primera vez en el Salón una obra de Renoir: “La esmeralda” (que él mismo destruye posteriormente). Sin embargo, en los años anteriores el Salón ha rechazado diferentes obras suyas, algo que le hace participar en el “Salón de los Rechazados” de 1.863, donde nace el arte moderno y la pintura de Renoir empieza a ser más valorada. Vive períodos muy difíciles antes de que su Arte sea apreciado. Con juegos de colores, refleja los efectos de la luz en innumerables telas y lienzos, tanto en retratos, como en paisajes y desnudos. Tras una pausa por la guerra franco - prusiana (1.870), en la que es llamado a filas para servir en la caballería del ejército francés, Renoir en 1.873, participa en la fundación de la Sociedad anónima de artistas pintores, escultores y grabadores que el 15 de Abril de 1.874 organiza la famosa Primera Exposición Impresionista en el local (Boulevard des Capucines) del fotógrafo más famoso de París, Nadar “le Grand” (Gaspard - Félix Tournachon, 1.820 - 1.910). En 1.876 se celebra la segunda exposición del grupo impresionista en la que Renoir participa con una de sus obras más conocidas, “El moulin de la Galette” (1.876, Museo de Orsay, París), que recoge los momentos de un baile al aire libre en una terraza parisiense. En 1.878, Renoir se aleja del grupo impresionista y busca el éxito en los salones oficiales. Poco a poco consigue vender bastantes retratos que terminan convirtiéndose en su principal fuente de ingresos y conoce a su primera musa, Lise Tréhot (1.848 - 1.922). Modelo y amiga, se convierte en el canon de belleza femenina para el pintor. "No tengo reglas ni métodos; cualquiera que vea los materiales que empleo o mi forma de pintar, se dará cuenta de que no hay secretos. Miro un desnudo y descubro miles de matices diminutos. He de encontrar aquel que haga que la carne de mi lienzo viva y tiemble". Después vienen Anne, Angèle, Margot… y una joven de mejillas redondas y nariz respingona que aparece en sus cuadros más famosos: Aline Charigot (1.859 - 1.915). Auguste, de 40 años, y Aline, de 20, se enamoran. En 1.881 viaja a Italia acompañado de Aline Charigot, su futura mujer, visitando entre otras ciudades, Roma, Nápoles y Palermo. La influencia de Jean - Auguste - Dominique Ingres y de su viaje a Italia, en el que se siente especialmente atraído por Rafael, se hace patente en sus nuevas obras, que tienen en las bañistas uno de sus temas más recurrentes. Es la felicidad absoluta para Auguste: una discreta salud, bastante dinero y demasiado amor… Fama internacional, francos para comprar tubos y pinceles y sol para pintar al aire libre… Todo va bien. “Para mí, un cuadro debe ser algo amable, alegre y hermoso, sí, hermoso. Ya hay demasiadas cosas desagradables en la vida como para que nos inventemos más”. Sin embargo en este periodo de madurez, se siente a veces inseguro. Hay momentos en los que duda de la calidad de su arte, y acaba abandonando su estilo típico (pincelada temblorosa para las vibraciones de la luz y de la sombra) y se vuelve más sereno y estable. Las penurias económicas de Renoir terminan con el éxito de la Exposición impresionista de 1.886 en Nueva York. En 1.892 realiza una muestra antológica en los salones de Durand - Ruel. Dos años más tarde nace su hijo Jean (el cineasta Jean Renoir, 1.894 - 1.979), y Gabrielle Renard (1.878 - 1.959), prima de su mujer Aline, entra con 16 años en la casa del pintor para ayudar en la tareas domésticas, aunque acaba convirtiéndose en su modelo favorita. Pasa los últimos años de su vida en Cagnes - sur - Mer, en los Alpes Marítimos franceses, donde compra una casa, hoy Museo. "A veces hablo como los campesinos del Sur. Dicen que son unos desafortunados. Yo les pregunto si están enfermos y me dicen que no. Entonces son afortunados; tienen un poco de dinero, por lo tanto, si tienen una mala cosecha no pasan hambre, pueden comer, pueden dormir y tienen un trabajo que les permite estar al aire libre, a la luz del sol. ¿Qué más pueden desear? Son los hombres más felices y ni siquiera lo saben. Después de unos cuantos años más, voy a abandonar los pinceles y dedicarme a vivir al sol. Nada más". A principios del siglo XX es un pintor consolidado, pero hace poco que le han descubierto una artritis reumatoide. Con el paso del tiempo, la enfermedad se va agravando. Durante los últimos años de su vida sus manos están tan deformadas que apenas puede moverlas, y para poder seguir pintando se ata los pinceles a las muñecas. En esta época de su vida descubre su interés por la escultura y empieza a colaborar con Richard Giuno (1.890 - 1.973), un joven escultor que ejecuta al detalle 15 esculturas bajo su dirección. Está casi paralítico y se desplaza en una silla de ruedas hasta su caballete; con los pinceles atados con largas tiras de tela a sus manos, deformadas por el reumatismo, pinta hasta el límite de sus fuerzas. Fallece a causa de una neumonía la noche del 2 de Diciembre de 1.919, en el Museo “Domaine des Collettes”, tras haber completado “Las bañistas”: dos mujeres estiradas en un prado sin ninguna referencia temporal. Andrée Heuchling (1.900 - 1.979), actriz de cine mudo que más tarde se casa con Jean, hijo del artista, es una de las modelos que usa Renoir para este cuadro. En los cuerpos se puede apreciar una referencia ideal a los desnudos del siglo XVI, particularmente a las Venus de Tiziano, en contraste con el estilo más impresionista del fondo (Renoir ya ha realizado entre el 1.884 y 1.887 otra obra representando a las bañistas, hoy conservada en el Museum of Art de Filadelfia). Colofón Pasa a la Historia de la Pintura gracias a sus pinceladas fluidas, sus colores vivos, sus desnudos de mujeres y sus escenas cotidianas entre idílicos paisajes.
Los cuadros de Auguste Renoir, auténticas obras maestras, se cotizan a precios fabulosos y son el orgullo de los principales Museos y Colecciones del Mundo. Su hijo, Jean Renoir, recuerda: "El espíritu inherente a los niños y niñas, a las criaturas y los árboles, pobladores del mundo que él creó, encerraba tanta pureza como el cuerpo desnudo de Gabrielle. Y finalmente, Renoir revelaba su propio ser a través de esta desnudez”. |
AutorAntonio Gómez Romera, ése soy yo. Entradas
Marzo 2024
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