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Mi amigo Luís Díaz Gonzalez, me ha mandado el enlace de un artículo firmado por el maestro don Arturo Pérez-Reverte Gutiérrez (Cartagena, Murcia, 1951), titulado “El cine que nos hacía ser mejores”, publicado en su Sección “Patente de corso” de “El bar de Zenda”* (XL Semanal, 10 de abril de 2026), que me ha encantado… y que voy a transcribir literalmente (ampliando la información con algunas Notas): Nota: El bar de Zenda = Es el nombre de la sección de Arturo Pérez-Reverte en zendalibros.com, que se incluye los lunes, después de su publicación en XLSemanal. Incluye las columnas encabezadas por el título “Patente de corso”.  “Hubo un tiempo en que el cine español, con cuatro perras gordas, un decorado de cartón piedra y una censura vigilando desde la butaca, conseguía algo que hoy parece milagroso: hacernos un poco mejores. No más listos, no más modernos, no más europeos. Mejores, que no es lo mismo. Hablo de aquellas películas de los años cincuenta y sesenta como “Tres de la Cruz Roja”*, “Los tramposos”*, “Manolo guardia urbano”* o “El tigre de Chamberí”*. Títulos que hoy algunos despachan con una mueca de suficiencia, como estampitas de un país sombrío, ingenuo y pobre. Y, bueno. Éramos pobres e ingenuos a menudo, en efecto, y el blanco y negro no era del todo una metáfora. Pero en esa aparente simpleza había una dignidad y una pedagogía sentimental que ahora algunos echamos de menos, sin atrevernos a confesarlo”.   Notas:
 
 Don Arturo Pérez-Reverte Gutierrez “Dirán los tontos del haba que casi todo aquello estaba edulcorado. Que la censura limaba aristas y la miseria real no se veía. Y en parte —sólo en parte— eso es cierto. Pero también es verdad que, dentro de los márgenes estrechos que había, aquellos guionistas, actores y directores construyeron un código ético reconocible. La amistad era lealtad, el amor era compromiso, el trabajo era orgullo, el engaño tenía límite, el fracaso no era excusa para la vileza. A menudo no se trataba de propaganda sino de un espejo, con frecuencia benévolo aunque espejo al fin. Nos mostraba cómo éramos y cómo podíamos y tal vez debíamos ser. Y al salir del cine, el espectador se llevaba algo más que dos horas de evasión; adquiría también ciertos modestos pero útiles modelos de conducta. Aquellas historias transcurrían en barrios reconocibles, con vecinos que se interpelaban por el nombre y tenderos que fiaban. El individuo no flotaba en el vacío; pertenecía a algo. Y pertenecer obligaba a responder, a no fallar del todo, a guardar las formas. El cine nos recordaba que no vivíamos solos”.  “Hubo en aquellas películas españolas de los años cincuenta y sesenta -después ya fue otra cosa, mucha basura incluida- algo más que una forma de contar lo que éramos: un pulso continuo entre lo que se podía decir y lo que urgía decir. Y ese pulso -ingenio, prudencia y a veces valentía- dibujó un retrato de aquel país más fiel que el que hoy pretenden las etiquetas fáciles. De una parte estaba el cine que recordamos con una sonrisa: Toni Leblanc, José Isbert, Concha Velasco, José Luis Ozores… Pero junto a ese espejo simpático había otro incómodo, que no devolvía una imagen limpia sino turbia. Y lo hacía jugando al escondite con la censura, esquivándola con una sonrisa en la cara y una verdad en el bolsillo. Ahí están “Calle Mayor”*, “La caza”*, “Plácido”*, “El verdugo”* o “El pisito”*: películas que no podían decirlo todo, pero sí lo suficiente. Que no gritaban, pero susurraban con mala leche. Y ese cine no venía a reconfortar ni divertir; venía a inquietar, colando entre líneas una España triste, gris, miserable, tan real como la otra aunque no la nombrase en voz alta”.   Notas:
 
 “Sería un error -uno de tantos errores que estúpidamente simplifican lo complejo- enfrentar ambos cines como si uno desmintiera al otro. Porque eran dos caras de lo mismo. El cine amable ofrecía modelos: «Incluso aquí se puede ser decente». El cine más oscuro advertía: «Cuidado, porque también somos esto y aquello». Y los dos eran necesarios, no sólo para entender la España de entonces, sino para entendernos dentro de ella. Ambos eran valientes a su manera: las comedias optimistas defendían la decencia en un país herido y pobre; las películas duras denunciaban las mezquindades de esa misma sociedad. Si las primeras nos hacían mejores al afirmar que la bondad era posible, las segundas describían el resultado de no serlo. Unas apelaban a nuestra ternura y otras a nuestra vergüenza”.  Don Arturo Pérez-Reverte Gutiérrez “Quizá por eso, en su conjunto, el cine de aquellos años traza un retrato más completo y honrado de lo que parece. España no era sólo fútbol, amigotes y noviazgos castos, ni tampoco exclusivamente crueldad provinciana y burocracia sin alma. Era la tensión entre ambas cosas, el impulso de ser buena gente y la tentación de claudicar. Quizá por eso unas y otras películas son más que una filmografía: confirman que en tiempos de censura, escasez y miedo hubo quienes encontraron la manera de contar y contarnos, unas veces suavizándolo con humor y otras haciendo frente con talento y audacia. También confirman algo que hoy es incómodo admitir: aquel cine apelaba a lo mejor de nosotros. Buscaba hacernos más dignos en diversos sentidos; y a menudo, hasta sin proponérselo, consiguió que así fuera. Eso es lo que lo hace valioso. Lo que permite, al verlo ahora con atención, que podamos reconocernos a nosotros, y sobre todo a nuestros padres y abuelos, en lo mejor y lo peor que en otro tiempo fuimos”.  Don Arturo Pérez-Reverte Gutiérrez NOTA FINAL La próxima semblanza personal de Terenci Moix, corresponde a la actriz norteamericana ELEANOR PARKER (Eleanor Jean Parker, Cedarville, Ohio, 26 de junio de 1922 - Palm Springs, California, 9 de diciembre de 2013): la pelirroja de Hollywood.  Eleanor Parker (1922 - 2013)
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La carrera de Glenn Ford (Gwyllyn Samuel Newton Ford; Quebec -Canadá-, 1 de mayo de 1916 - Beverly Hills -California-, 30 de agosto de 2006) es extraordinariamente larga, pero también irregular. Al igual que William Holden, camarada y compañero de dos de sus filmes del oeste, pasó algunos años sin definir su personalidad, lo cual explica que el público tardase en quedarse con él. Apareció como un galancito no desprovisto de encanto, pero que servía para demasiadas cosas sin brillar en ninguna. Resultaba gracioso en la comedia y un tanto soso en el cine de acción. De repente, se convirtió en macho dominador empeñado en amargarle la vida a la pobre Gilda. Nada en él quedaba demasiado claro.
Glenn Ford (1916 - 2006)
Richard Brooks (Ruben Sax, 1912 - 1992, director, guionista, productor y escritor estadounidense) asegura que le eligió para interpretar al profesor de Blackboard Jungle, en 1955, porque era un papel que ningún otro actor quería hacer y Ford estaba muy bajo en la apreciación de los productores. Sin embargo, éste es el título que cambió su carrera convirtiéndole en uno de los actores favoritos del público americano en la década de los cincuenta. En aquella película, cuando ya tenía treinta y nueve años, desarrolló su personalidad definitiva. El buen muchacho evolucionó hacia el maestro que todos hubiéramos deseado tener. Un personaje afectuoso que en algunos momentos podía resultar jovial. El espectador tenía ganas de llamarle tío Glenn.
Glenn Ford
Su verdadero nombre es Gwyllyn Samuel Newton Ford y nació el 1 de mayo de 1916 en Quebec, Canadá, donde su padre era ejecutivo de una compañía de ferrocarriles. A los siete años fue trasladado a Santa Mónica, California, donde cursó sus estudios. Curiosamente, se enroló como mozo de establos del famoso caballista Will Rogers (William Penn Adair "Will" Rogers, 1879 - 1935) y, mientras ejercía otros oficios, fue alimentando el deseo de convertirse en actor.
En la compañía local, la Santa Mónica Player’s tuvo la oportunidad de efectuar sus pinitos teatrales, con un pequeño papel en la obra de Lillian Hellman (Lillian Florence Hellman, 1905 - 1984) “Children’s hour” (1935) -conocida en España como La calumnia-. Trasladado a Nueva York, intervino en títulos como Parnell y Golden Boy (1935). Y en gira por la costa oeste adquirió cierto nombre con la obra del Elmer Rice (1892 - 1967) “Judgement Day”. Por lo menos sirvió para que los cazatalentos de Hollywood se fijasen en él.
Glenn Ford
Su primera intervención cinematográfica fue en Night in Manhattan (1937), para la Paramount; después pasó a la Fox con Heaven With a Barbed Wire Fence (1939), de Ricardo Cortez (Jacob Kranze, 1900 - 1977), pero en ninguno de los dos Estudios causó el menor impacto. Fue por fin la Columbia quien le firmó un contrato a largo término -siete años- convirtiéndose en la productora que sería responsable de su primera imagen. Esta se establecería entre papeles de héroe bondadoso en aventuras del oeste, soldado bisoño en filmes de propaganda bélica y galancito imberbe en algunas comedias amables.
Glenn Ford
<<Texas>>
Sus primeros años en la Columbia no fueron en absoluto espectaculares. Entre nueve películas destacan únicamente el melodrama policíaco The Lady in Question (1940), que sirvió para ponerle en contacto con la que en el futuro sería su pareja mítica, Rita Hayworth (Margarita Carmen Cansino, 1918 - 1987), y con el director Charles Vidor (Károly Vidor. 1899 - 1959), quien les dirigía a ambos en varias ocasiones. En el filme ya citado Rita era una acusada de homicidio de quien se enamora Glenn, hijo del abogado encargado de defenderla (Brian Aherne -William Brian de Lacy Aherne-, 1902 - 1986).
Glenn y Rita en "Gilda"
Para llegar a Gilda faltaban todavía cinco años en cuyo transcurso se produjeron pocas sorpresas. Entre ellas Texas (1941), de George Marshall (1891 - 1975), un western que le colocaba junto a otro jovencísimo y prometedor galán llamado William Holden. Ambos interpretaban a dos confederados que después de la guerra civil llegan a tierras lejanas en busca de fortuna. Holden se convertía en ladrón de ganado. Ford en vaquero honesto y ambos luchaban por el amor de Claire Trevor (1910 - 2000).
Otra buena oportunidad llegó cuando fue prestado a la United Artists para un excelente melodrama de John Cromwell (Elwood Dager Cromwell, 1886 - 1979): So End Our Night (1941). Glenn y Margaret Sullavan (1909 - 1960) interpretaban a un matrimonio judío que huye del terror nazi bajo la protección de Fredrich March (Ernest Frederick McIntyre Bickel, 1897 - 1975).
Fue un simpático sheriff que corteja a una juvenil Ann Miller (Johnnie Lucille Collier, 1923 - 2004) en un musical de bajo presupuesto, Go West, Young Lady (1941) de Frank R. Strayer (1891 - 1964). Después, se vistió de marino sacado de un relato de Jack London (1876 - 1916) y disputado por dos de las estrellas oficiales de la Columbia, Evelyn Keyes (1916 - 2008) y Claire Trevor (1910 - 2000), en El barco de la muerte (The adventures of Martin Eden, 1942), de Sidney Salkow (1911 - 2000).
Flight Lieutenant (1942) de Sidney Salkow era un drama bélico en el que un ex aviador (Pat O’Brien, 1899 - 1983) vivía inmerso en el remordimiento por haber permitido la muerte de su copiloto durante un ataque. Glenn era el hijo de O’Brien y se enamoraba de Evelyn Keyes, la hija del copiloto muerto. Volvió a ser galán de la Keyes y con la Trevor merodeando en un western más conocido por ser el primer intento serio de technicolor rodado en la Columbia: Los desesperados (1943) de Charles Vidor (1900 - 1959). En Destroyer (1943) de William Seiter (1890 - 1964), interpretaba a un marino dividido entre las arengas patrióticas de un veterano de la guerra anterior (Edward G. Robinson, 1893 - 1973) y el amor de la bella Marguerite Chapman (1918 - 1999).
Glenn Ford
<<Gilda>>
En 1943 se enroló en la Marina, donde sirvió hasta el final de la guerra. Cuando en 1946 regresó al cine lo hizo con un papel providencial: el del chuleta Johnny Farrell en Gilda. La repercusión de aquel melodrama negro fue inmensa y Glenn y Rita se convirtieron en una pareja que ya es propiedad de la memoria colectiva.
Foto de la boda de Glenn y Eleanor
En la vida real había contraído matrimonio con Eleanor Powell (1912 - 1982, bailarina y actriz), una de las grandes bailarinas de la historia del cine. Se casaron en 1943, y dos años después nacía su hijo Peter Newton (5 febrero 1945).
Foto de la boda de Glenn y Eleanor
Después de Gilda cayó en manos de otra poderosa dama del cine. Cuenta la leyenda -y el propio Ford lo confirmó- que la gran Bette Davis (Ruth Elizabeth «Bette» Davis, 1908 - 1989) pidió personalmente que fuese su pareja en Una vida robada (1946), de Curtis Bernhardt (1899 - 1981), el melodrama en que la actriz interpretaba a dos hermanas gemelas, perversa una, bondadosa la otra, enamoradas de un joven pintor. Pero dos Bettes a la vez eran demasiadas para cualquier actor. y Glenn pasó un rato desapercibido ante el virtuosismo de su pareja.
Fotograma de "Una vida robada" 1946
Igual ocurrió con un drama de la aviación, Gallant Journey (1946) de William A. Wellman (1896 - 1975), y casi estuvo a punto de ocurrir con Paula (Framed, 1947), de Richard Wallace (1894 - 1951). Pero la relación de Glenn Ford con una nueva vampiresa, Janis Carter (Janis Elinore Dremann, 1913 - 1994), fue promocionada como contrafigura de la que tuviera con Gilda: era de nuevo el prototipo de macho dominante que era presentado en las fotografías con la hembra arrodillada a sus pies, casi suplicando sus favores.
Estuvo simpático y encantador cortejando de nuevo a Evelyn Keyes en la comedia El hombre de mis amores (The Mating of Millie, 1948) de Henry Levin (1909 - 1980) y un nuevo giro de personalidad se volvió un sheriff sádico e implacable en otro buen western El hombre de Colorado (1948), de Henry Levin.
La censura franquista en el cartel de "La Dama de Trinidad"
A dos años de distancia de Gilda, la Columbia decidió probar si continuaba funcionando la química entre su famosa pareja y así Rita y Glenn se apasionaron de nuevo en Los amores de Carmen (1948) también de Vidor. La publicidad americana ponía énfasis en que no se trataba de la ópera, por si las moscas, y la historia quedó reducida a una gran stravaganza en technicolor donde continuaba triunfando la belleza de Rita y la apostura de Glenn, aunque su Don José resultaba sorprendentemente envarado.
En Tío Willie (The Return of October, 1948), de Joseph H. Lewis (1907 - 2000) era el psiquiatra encargado de vigilar a una jovencita que cree que su tío se ha reencarnado en un caballo de carreras. Ella era la linda Terry Moore (Helen Luella Koford, 1929) que pocos años después conocería una corta fama como damita juvenil de la Fox. Vino después un thriller junto a Nina Foch (1924 - 2008), Relato criminal (The Undercover Man, 1949) de Joseph H. Lewis y Lust for God (1949) de Sylvan Simon (1910 - 1951). Era ésta una historieta de buscadores de oro en la que Glenn, convertido de nuevo en un tipo duro, mata a la mujer amada (Ida Lupino, 1918 - 1995) y al marido de ésta cuando saben que también conocen su secreto. Él acaba muriendo en un terremoto. Era algo así como El tesoro de Sierra Madre de los pobres.
Fue presentado a la Metro para una comedia con Janet Leigh (1927 - 2004), The Doctor and the Girl (1949), de Curtis Bernhardt (1899 - 1981). Otro título muy promocionado gracias a su fotografía en technicolor y sus efectos especiales fue La montaña trágica (The White Tower, 1950) de Ted Tetzlaff (1903 - 1995). Pese a la presencia de Alida Valli (Alida María Laura von Altenburger, 1921 - 2006) resultó ser un aburrido suspense de alpinismo al cual siguió Drama en presidio (Convicted, 1950) de Henry Levin, donde Ford aparecía entre rejas y enamorado de Dorothy Malone (1924 - 2018), hija del director de la cárcel (Broderick Crawford, 1911 - 1986).
Después de otros títulos basados en fórmulas que ya había interpretado antes, rodó en Europa un thriller medio francés, medio americano. El guantelete verde (1952) de Rudolph Maté (1898 - 1964). La Columbia volvió a requerir sus servicios para otro intento de revitalizar la carrera de Rita Hayworth. El resultado fue La dama de Trinidad (Affair in Trinidad, 1952) de Vincent Sherman (1906 - 2006), que buscaba desesperadamente el reclamo de Gilda mostrando a Rita en un baile más o menos tórrido y a Glenn abofeteándola sin demasiada justificación. Ni su carrera ni la de su dama notaron el menor avance, y mientras ella continuaba precipitándose en la decadencia, él se fue de nuevo a la Metro para dos títulos de relleno: Time Bomb (1953) de Ted Tetzlaff y Plunder of the Sun (1953) de John Farrow (1904 - 1963), que volvía a involucrarle en la búsqueda de un tesoro azteca.
<< Hombres violentos >>
Curiosamente, la R.K.O. le vio como el héroe ideal para este tipo de aventuras desarrolladas en selvas latinoamericanas y con bajo presupuesto. Se lanzó a la desesperada por ciénagas y pantanos en Cita en Honduras (1953), de Jacques Tourneur (1904 - 1977) y repitió aproximadamente el mismo estilo en El americano (1954), de William Castle (1914 - 1977). Éste último título tuvo serios inconvenientes a la hora del rodaje, incluida la sustitución de una de sus actrices. David Shipman (1932 - 1996, escritor y crítico de cine) asegura que Ursula Thiess (1924 - 2010) permaneció en el reparto y fue Abbe Lane (Abigail Francine Lassman, 1932), en todo caso, quien apareció en el papel presumiblemente destinado a la Montiel.
Ford se arrancó la espina de tanta jungla regresando al terreno del mejor western con Hombres violentos (1954) de Rudolph Maté. Ya era un hombre maduro que intentaba asentarse pacificamente en unas tierras por un déspota inválido (Edward G. Robinson) de quien a su vez intentaba librarse su perversa esposa, la siempre excepcional Barbara Stanwyck (1907 - 1990).
Antes de los filmes citados, Ford interpretó un buen western en la Universal, El desertor del Álamo (1953) de Budd Boetticher (1916 - 2001) pero no tardó en regresar a sus orígenes: la Columbia. Obtuvo su mejor oportunidad en muchos años al ser dirigido por uno de los maestros incuestionables del cine, Fritz Lang (Friedrich Christian Anton Lang, 1890 - 1976), en Los sobornados (The big Heat, 1953) y, posteriormente, en Deseos humanos (1954). Con los años, el primer título se convertiría en uno de los más respetados de la historia del cine negro, acaso una de las últimas obras maestras de los años cincuenta. El segundo título pretendía ser una versión americanizada de la novela de Balzac La bestia humana, que Jean Renoir (1894 - 1979) había dirigido en Francia dos décadas antes. Distintos problemas con la censura americana obligaron a cambiar los elementos más brutales del relato, que quedó convertido en una historia de adulterio entre Ford y la protagonista Gloria Grahame (Gloria Hallward, 1923 - 1981) contra el marido de ésta, Broderick Crawford.
Todos los títulos comentados se limitaban a ser escalones en una carrera que ya no conducía a ninguna parte.
El verdadero triunfo popular le llegó a Glenn en la primera madurez y aún por caminos inesperados: el auge de la primera pieza de “rock” que sonaba en la pantalla. La melodía era Rock around the clock y parecía ideal para acompañar las atrocidades perpetradas por unos colegiales desalmados en Semilla de maldad (Blackboard Jungle, 1955). Glenn estuvo perfecto como el profesor que intenta educarles aún a riesgo de su vida. Debido a lo que entonces se consideraba “crudeza”, éste excelente filme de Richard Brooks (Ruben Sax, 1912 -1992) constituyó un gran éxito e inauguró la cantera de dramas sobre la delincuencia juvenil que fueron típicos de los años cincuenta. Ford remató su retrato de americano justo en otro drama de pretendida renuncia y declarado anti-comunismo: La furia de los justos (Trial, 1955) de Mark Robson (1913 - 1978), sobre un joven puertorriqueño acusado de homicidio. También en Ransom! (1956) repitió su expresión de angustia derbatiéndose entre su deber como ciudadano y el amor a su hijo, raptado por unos delincuentes. Durante una hora y media dudó entre si debía o no debía pagar el rescate exigido por los raptores. (Donna Reed -Donna Belle Mullenger, 1921 - 1986- era la madre del niño, histérica además de angustiada). 
Pero la imagen bondadosa e incluso abnegada de Ford adquirió su máxima expresión cuando fue el doctor que se casa con la cantante Marjorie Lawrence (1907 - 1979) y permanece a su lado al ser ella víctima de poliomelitis. La cantante era Eleanor Parker (1922 - 2013), el filme Melodía interrumpida (1955) y el resultado fue mucha emoción y la irreprochable factura de los melodramas de la Metro con fragmentos de ópera incluidos.
Fotograma de "Semilla de maldad", 1955
Ford consiguió una interpretación modélica en ésta réplica femenina de El gran Caruso, cuyo rodaje estaba ultimando cuando Richard Brooks (Ruben Sax, 1912 - 1992) le requirió para Blackboard Jungle (Semilla de maldad, 1955) contra la opinión de la productora.
Fotograma de "Furia en el valle", con Shirley MacLaine
En 1956 apareció en la lista de los “diez grandes”, donde permanecería hasta 1959. Gran parte de su extraordinaria popularidad se debe a su incorporación de un personaje muy querido en la mitología americana; el del militar que demuestra ser más humano que la vida misma, desde una visión paternalista e incluso patriotera de la vida castrense. Así, el chuleta que había abofeteado a la Hayworth pasó a encarnar a toda una galería de oficiales simpáticos, bondadosos, camaradas o hermanos mayores de los hombres a sus órdenes. El personaje se vió consagrado a partir de La casa de té de la luna de agosto (1956), de Daniel Mann (1912 - 1991), comedia que presentaba la ocupación americana del Japón como si de un picnic se tratase. Marlon Brandon (1924 - 2004) se llevó toda la publicidad a causa de su exagerada caracterización de japonés, pero Ford se ganó el éxito y el cariño del público. Siguió conservando ambas cosas en comedias militares como ¡Vaya marineros! (Don`t go near the water, 1957), de Charles Walters (1911 - 1982); Imitation General (1958); La casa de las tres geishas (Cry for happy, 1961), ambas de George Marshall (1891 - 1975), y, ya en clave dramática, El último torpedo (Torpedo Run, 1958), de Joseph Pevney (1911 - 2008).
Fotograma de "La casa del té de la luna de agosto", 1956
Paralelamente a sus exaltaciones de la bondad castrense, rodó en la Columbia tres westerns excelentes: Jubal (1956), Cowboy (1958) y El tren de las 3:10 (1957), todas de Delmer Daves (1904 - 1977). En la Metro, y en tono menor, protagonizó Llega un pistolero (The Fastest Gun Alive, 1956), de Russell Rouse (1913 - 1987) y Furia en el Valle (The Sheepman, 1958) de George Marshall, ésta última en clave de comedia, deliciosamente apuntalada por Shirley MacLaine (Shirley MacLean Beaty, 1934).
Fotograma de "El tren de las 3:10" (1957)
La Metro había firmado a Ford un contrato a largo término con autorización para rodar en la Columbia dos películas al año. Fue así, la última gran figura masculina del estudio, si bien doce años después, en 1968, aparecía en la lista de la Variety de actores cuyo rendimiento en taquilla no justificaba lo elevado de sus honorarios. Pero mientras ésto no sucedía la Metro decidió potenciar su carrera convirtiéndole en pareja ideal de la que era, a su vez, la última estrella femenina bajo contrato: Debbie Reynolds (1932 - 2016). Rodaron juntos dos comedias que todavía conocieron cierto éxito Empezó con un beso (1959) de George Marshall -con escenas rodadas en España- y la adaptación de una comedia teatral de suspense: Un muerto recalcitrante (The Gazebo, 1959), dirigida también por Marshall. Pero la época de las parejas ideales quedaba lejos y las dos comedias citadas no tuvieron continuidad.
<< Cimarrón >>
Todavía fue más desastroso el fracaso de Cimarrón (1960), remake de un famoso super-western de 1931 que a su vez se inspiraba en un novelón de la siempre exitosa Edna Ferber (1885 - 1968). Ni los atractivos del tema ni la dirección de Anthony Mann (Emil (o Anton) Bundesmann, 1906 - 1967), siempre eficaz en el género western, consiguieron salvar del tedio aquella superproducción. Interferencias finales de la productora y el error de confiar el papel de protagonista femenina a la alemana María Schell (Maria Margarethe Anna Schell, 1926 - 2005) acabaron por convertirlo en un híbrido total.
Más incomprensible fue el fracaso de Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1961), uno de los más suntuosos melodramas de Minnelli (Vincente Minnelli - Lester Anthony Minnelli, 1903 - 1986) y, contrariamente a lo que se dijo en su momento, muy superior a la reputada primera versión de Valentino (Rodolfo Pietro Filiberto Raffaello Guglielmi di Valentina d'Antonguella, 1895 - 1926).
Fotograma de "Cimarrón", 1960
Algunos aducen que Glenn Ford, con su expresión bonachona, no era el más adecuado para incorporar a Julio Desnoyers, el frívolo, inconsistente tenorio franco-argentino que acaba tomando conciencia de los horrores de la invasión nazi al vivirlos en su propia familia. Otros, entre ellos el propio Minnelli, pensaron que la saga familiar ideada por Blasco Ibáñez (Vicente Blasco Ibáñez, 1867 - 1928) nunca debió trasladarse de su ubicación histórica inicial. En cualquier caso, ni siquiera el lanzamiento publicitario ni el planteamiento de superproducción consiguieron salvar a los siniestros jinetes del desastre comercial. Tampoco levantó la carrera a Glenn el excelente thriller de Blake Edwards (William Blake Crump, 1922 - 2010) con Lee Remick (1935 - 1991), Chantaje contra una mujer (Experiment in Terror, 1962), ni una deliciosa comedia de Minnelli, El noviazgo del padre de Eddie (1962). (Sin embargo, Glenn confirmó en ella su perfección como comediante).
<< Dama por un día >>
En 1959 había sorprendido a la opinión pública divorciándose de Eleanor Powell después de catorce años de matrimonio aparentemente feliz. Años antes se había hablado de un idilio entre el actor y Judy Garland (1922 - 1969), pero el rumor no llegó a confirmarse. Sin embargo, se confirmó que en 1961 mantenía una sólida relación sentimental con la joven actriz Hope Lange (Hope Elise Ross Lange, 1933 - 2003), que había sido esposa de Don Murray (Donald Patrick Murray, 1929 - 2024). Ford llegó a imponerla en el reparto de Un gángster para un milagro (Poketful of Miracles, 1961) contra la voluntad del director Franck Capra (Francesco Rosario Capra, 1897 - 1991). El filme era un remake de otra comedia famosa del director, Dama por un día y contaba en su reparto con Bette Davis (Ruth Elizabeth «Bette» Davis, 1908 - 1989). Cuando ésta supo que Ford se vanagloriaba de haberla impuesto también en el reparto como agradecimiento por haberle elegido a él años antes para Una vida robada y, básicamente, porque la Davis estaba en el paro, la dama se enfadó tanto que rompió todas sus relaciones con su indiscreto protector.
El idilio con Hope Lange continuó en otro filme, la comedia Ese desinteresado amor (Love Is a Ball, 1963), de David Swift (1919 - 2001). Posteriormente, Ford llevó una vida sentimental muy movida. En 1966 se casó con Kathryn (Kathy) Hays (Kay Piper, 1934 - 2022), de quien se divorciaría en 1968. En 1977 contrajo matrimonio con Cynthia Hayward (1948) y, más recientemente, con una dama mucho más joven que él.
Gloria Grahame y Glenn Ford en el set de "Los sobornados", de Fritz Lang
La aparición de su nombre en la lista de Variety señaló el final de la gran época de Glenn Ford, quien a partir de entonces seguiría el camino de los actores de su generación, actuando como galán maduro en ocasiones y como héroe de películas de intriga o acción en otras. De sus filmes de las siguientes décadas estrenados en España destacan títulos como: Los desbravadores (The Rounders, 1964), de Burt Kennedy (Burton Raphael Kennedy, 1922, 2001), donde tuvo como compañero a Henry Fonda (1905 - 1982); La furia de los cobardes (Advance to the Rear, 1963), de George Marshall, con Melvyn Douglas (Melvyn Edouard Hesselberg, 1901 - 1981); Los pasos del destino (Fate is the Hunter, 1964), de Ralph Nelson (1916 - 1987), con Nancy Kwan (Nancy Kwan Ka-shen, 1939), la actriz euroasiática revelada en El mundo de Suzie Wong; y, entre otros títulos, el western Duelo a muerte en Río Rojo (The Last Challenge, 1967), de Richard Thorpe (1896 - 1991), junto a Angie Dickinson (Angeline Brown, 1931), actriz con quien mantuvo otro sonado idilio.
Como es de suponer, alternó sus trabajos en los Estados Unidos con algunos rodajes en Europa (principalmente en Italia) e intervino en algunas producciones para la televisión (por ejemplo An Evening in Byzantium, según la novela de Irving Shaw (Irwin Gilbert Shamforoff, 1913 - 1984).
En 1978, formó parte del grupo de estrellas de ayer que acompañaban los triunfales vuelos de Supermán. Encarnaba al padre terrestre del héroe y su papel era el de un colaborador extremadamente distinguido. Los cinéfilos veteranos nos alegramos al reencontrar a un antiguo amigo. Continuaba siendo una presencia agradable y un actor cada vez más consumado. Como dato curioso cabe destacar que, pese a su dilatada carrera, nunca ha sido nominado para el Oscar.
Fotograma de "Un gangster para un milagro", 1961
A finales de los años ochenta volvió a saltar al primer plano de la actualidad a raíz de la muerte de Rita Hayworth. El aficionado recordó que les había visto juntos por última vez en La trampa del dinero (The Money Traps, 1965), típica película de mitos en decadencia y acaso por esta razón profundamente entrañable. Tras la muerte de la estrella, Ford declaró que siempre la había amado en silencio y que durante años colocó diariamente una rosa roja ante su fotografía. Al parecer, continúa haciéndolo después de la muerte de Gilda.
Glenn y Rita
NOTA FINAL
El próximo articulito para éste Blog Cinematográfico, viene firmado por el escritor y académico Arturo Pérez-Reverte: “El cine que nos hacía ser mejores”.
“Yo no soy actor: soy un reportero de las emociones contemporáneas. Para ser actor tienes que ser muy talentoso o muy sensible. Yo no me considero ninguna de las dos cosas”.
Así definía su oficio William Franklin Feedler Jr., conocido en el siglo como William Holden. 
William Holden (1918 - 1981)
En realidad, el famoso galán de otros tiempos estaba definiendo sus propias características. Nunca fue una personalidad apasionante, pero en muchas ocasiones resultó irreprochable. En sus comienzos lucía una apariencia plácida, serena, muy apta para el tipo de comedietas de corte juvenil en que la Paramount quiso involucrarle. Cuando aquella apariencia fue aplicada a personajes de enjundia, representó de maravilla al muchacho soñador que se convierte en un gran violinista (Sueño dorado).
Su aspecto ideal, de rubio bisoño, no le impidió encajar en el cine del Oeste y, más adelante, en algunos títulos policíacos (por cierto: no los de más calidad). Mediados los años cincuenta, consiguió algunas buenas interpretaciones dramáticas y se llevó el Oscar con Stalag 17.
Después, una serie de filmes románticos, hábilmente escogidos, le convirtieron en ídolo de las damas. No es extraño que en pleno apogeo de la moda Brando, una redactora de la revista Picturagger pudiese escribir: “Creo que Holden supera a Marlon en atractivo. Existen, desde luego, docenas de actores más guapos que Holden, pero él es el único que nunca me ha decepcionado en la pantalla. Creo que estaba maravilloso en su primer filme, Sueño dorado, y continúo pensando lo mismo desde entonces. Además es una persona sumamente atractiva y aunque interprete a un canalla nunca ha dejado de inspirarme simpatía” (Margaret Hinxman, crítica de cine, 1924 - 2018).
Más allá de todas las modas, Holden se había convertido en el típico actor en quien se podía confiar a ciegas. Esta credibilidad sustentó toda su carrera, que fue notablemente extensa. Desde sus comienzos hasta su trágica muerte abarca cuarenta largos y cambiantes años de la historia de Hollywood.
“Sueño dorado”
Nacido el 17 de abril de 1918 en O’Fallon, Illinois, pero sus padres se trasladaron a California y así tuvo ocasión de cursar estudios en el Pasadena Junior College. Fue precisamente en el cuadro escénico de aquella institución donde hizo sus primeros pinitos teatrales, entrenándose además en programas dramáticos de la emisora de radio local.
Su interpretación de un octogenario -el padre de madame Curie- en la obra Manya (1938) llamó poderosamente la atención de un cazatalentos de la Paramount, quien determinó que le hicieran una prueba, consiguiéndole rápidamente un contrato. Después de aparecer como extra con frase en dos películas -Prison farm (1939) y Million dollar legs (1939)-, el director Rouben Mamoulian (1898 - 1987) le eligió para el papel principal de la adaptación cinematográfica de una célebre obra teatral de Clifford Odetts (1906 - 1963), Golden Boy, titulada en España Sueño dorado (1939). En el papel citado anteriormente, y bajo el patrocinio de su compañera, la gran Barbara Stanwyck (1907 - 1990), Holden se convirtió en el niño mimado de Hollywood. Durante unos años, la Paramount y la Columbia compartirían su contrato. 
En "Golden Boy", con Barbara Stanwyck y Adolphe Menjou
Presentado de nuevo, esta vez a la Warner, fue el hermano menor de George Raft (1901 - 1980) en un título de “gangsters” -Invisible stripes (1940), de Lloyd Bacon (1889 - 1955)- y en la United Artist interpretó a otro joven soñador en un título costumbrista basado en la obra de Thornton Wilder (1897 - 1975), Nuestra ciudad (Sinfonía de la vida, 1940) dirigida por Sam Wood (1883 - 1949). A partir de entonces su trabajo se repartió entre héroes de “western” más o menos rudos y atractivos y rubios metidos en la guerra o la Universidad y amados por las grandes estrellas de la Paramount como Veronica Lake (1922 - 1973), Dorothy Lamour (1914 - 1996) y, más adelante, Mona Freeman (1926 - 2014). En sólo tres años rodó los siguientes títulos: Those were the days (1940), de J. Theodore Reed (1887 - 1959); Arizona (1941), de Wesley Ruggles (1889 - 1972); Vuelo de águilas (I wanted wings, 1941), de Mitchell Leisen (1898 - 1972); Texas (1941), de George Marshall (1891 - 1975); The remarkable Andrew (1942), de Stuart Heisler (1896 - 1979); y Rivales por un beso (The fleet's in, 1942), de Victor Schertzinger (1888 - 1941).
William Holden con Veronica Lake en "Vuelo de águilas"
El 13 de julio de 1941 se casó con la actriz Brenda Marshall (1915 - 1992), cuya hija adoptó. La unión de la pareja duraría veinte años y fue una de las más felices y respetadas de Hollywood. Tuvieron dos hijos: Peter Westfield (1943 - 2014) y Scott Porter (1946 - 2005).
William y su esposa Brenda Marshall en 1941
Después de algunos títulos sin importancia, Holden reveló sus capacidades para la comedia en Querida Ruth (Dear Ruth, 1947), donde el nuevo descubrimiento femenino de la Paramount, Joan Caulfield (1922 - 1991), recibía sus cartas de amor, sin saber que en realidad las escribía su hermana. Habiéndose revelado idóneo para la comedia urbana, Holden repitió los ambientes rurales en Vuelve a amanecer (Rachel and the stranger, 1948), esta vez como el marido de Loretta Young (1913 - 2000), quien se deja cortejar por un sospechoso forastero que llega de improviso a su rancho (Robert Mitchum, 1917 - 1997). En los mismos ambientes continuó Holden en dos “westerns” de notable calidad: El hombre del Colorado (1949), junto a Glenn Ford (1916 - 2006), y Tres tejanos (Streets of Laredo, 1949), con Mona Freeman. Otra comedia le permitió mostrar facetas más maduras de su personalidad: Father is a bachelor (1950), en la que interpretaba a un solterón recalcitrante que ve su tranquilidad invadida por cinco encantadores huerfanitos.
La consagración
Su gran oportunidad como intérprete dramático la obtuvo encarnando al guionista que se convierte en “gigoló” de una antigua estrella de cine del cine mudo en el impresionante drama de Billy Wilder (1906 - 2002) El crepùsculo de los dioses (Sunset Boulevard, 1950). La reputación de ésta obra maestra no ha hecho sino crecer con los años, pero ya en su momento provocó las críticas más elogiosas en todas partes donde fue estrenada. La decana de la crítica inglesa, Cilys Powell, escribió: “La interpretación, conseguida con un refinamiento raro en el cine, resalta adecuadamente las diferencias entre el pasado y el presente. El joven guionista, excelentemente interpretado por William Holden, tiene los gestos y el tono de voz aceptados en los actores de hoy. En cambio, Gloria Swanson convierte cada uno de sus movimientos y tonos en algo más fuerte que la vida”.
Nominado para el Oscar de 1950 al mejor actor por El crepúsculo de los dioses, lo perdió en provecho de José Ferrer (1912 - 1992) (Cyrano de Bergerac), pero consolidó su nueva posición al interpretar de manera deliciosa al gafudo profesor encargado de educar a la querida de un ricachón vendedor de chatarra en la inolvidable comedia de Cukor (George Dewey Cukor, 1899 - 1983) Nacida ayer. Al mostrar el anverso y el reverso de un mismo talento, garantizó su credibilidad futura.
La dama joven de Sunset Boulevard era la encantadora Nancy Olson (1928), una actriz que no llegó a obtener la fortuna que merecía. De todos modos tanto la Paramount como la Warner creerían que funcionaba como pareja de Holden. Así, les emparejaron en otras dos ocasiones: el “thriller” de Rudolph Maté (1898 - 1964) Union Station (1950), donde Holden era el jefe de la Policía ferroviaria, y el drama bélico Force of arms (1951), de Michael Curtiz (1886 - 1962), plagio más o menos reconocido del tema de Hemingway (Ernest Miller Hemingway, 1899 - 1961) Adios a las armas. 
Fotograma de la película "El crepúsculo de los dioses"
Reforzada su imagen romántica con la ayuda de Miss Olson, se lanzó Holden de nuevo a la acción con una aventura de guerra -Submarine command (1952) de John Farrow (1904 - 1963)-, una de hípica -Boots Malone (1952), de William Dieterle (1893 - 1972)- y un “thriller” -Un hombre acusa (The Turning Point, 1952), de William Dieterle.
En 1953, Billy Wilder regresó en auxilio de Holden proponiéndole un papel que varios actores habían rechazado: el de un cínico prisionero de guerra en Traidor en el infierno (Stalag 17). Cuando Holden sugirió dar a su personaje una dimensión más simpática, Wilder se negó, recordándole cuán acertado estuvo al sugerirle que acentuase la parte antipática del joven guionista de Sunset Boulevard. La crítica de Life volvió a dar la razón al director: “Tal como lo interpreta Holden, el personaje mitad héroe mitad canalla de Stalag 17 se convierte en el más memorable de cuantos personajes han salido de Hollywood en el presente año”.
El Oscar no se limitó a convertir a Holden en astro de primera magnitud; además, hizo la satisfacción de tres productoras a la vez. La Paramount sintióse satisfecha porque en la comedia que el actor estaba rodando para ellos -Sabrina- intervenía la vencedora femenina de aquel año, Audrey Hepburn (1929 - 1993), además de Humphrey Bogart (1899 - 1957), galardonado en 1951 por La reina de África. Con semejante reparto, la productora podía anunciar el filme con la frase “la comedia de los cuatro Oscars”.
Con Audrey Hepburn en "Sabrina"
Por su pàrte, la Metro, que había tomado prestado a Holden para encabezar el reparto estelar del drama de ejecutivos La torre de los ambiciosos (1954), consideró que el Oscar ayudaría a la promoción del filme y así introdujeron en los “trailers” la frase “con el ganador del Oscar a la mejor interpretación masculina”.
Con June Allyson en "La torre de los ambiciosos"
Lo mismo pensaron los productores de la muy controvertida La luna es azul (The moon is blue, 1953), que se apresuraron a estrenar apenas una semana después de la entrega de los premios de la Academia.
La luna es azul era la agradable comedia picaresca que conoció numerosos tropiezos con la censura, siendo uno de los primeros títulos que se atrevieron a enfrentarse a su código. A éste propósito, escribió su director, Otto Preminger (1905 - 1986): “En la actualidad puede resultar risible, pero las palabras que los censores querían hacerme cortar del guión eran: “virgen”, “seducir” y “preñada”. Cuando se estrenó, el filme fue denunciado desde los púlpitos católicos. En localidades pequeñas había curas que permanecían a las puertas del cine, tomando los nombres de los feligreses que acudían a verlo. Como resultado, la carrera comercial de La luna es azul se resintió en los pueblos pequeños, pero en las ciudades constituyó un enorme éxito”. 
“La angustia de vivir”
Además de los filmes citados cabe destacar una comedia sentimental junto a Ginger Rogers (1911 - 1995) -Forever female (1954), de Irving Rapper (1898 - 1999)- y un “western” rutinario con Eleanor Parker (1922 - 2013) -Fort bravo (1954), de John Sturges (1910 - 1992).
Fotograma de "Fort Bravo"
Después de su éxito como el alocado hermano de Bogart en quien sueña la deliciosa Sabrina, estuvo sobrio y adecuado como el director teatral que se interfiere en el desastre matrimonial de su amigo, un actor alcohólico (Bing Crosby, 1903 - 1977), y la esposa de éste, Grace Kelly (1929 - 1982), en La angustia de vivir (The country girl, 1954) de George Seaton (1911 - 1979). Y de nuevo junto a la maravillosa Grace intervino en un drama bélico francamente aburrido: Los puentes de Toko-Ri (1955), de Mark Robson (1913 - 1978).
Permaneció en la lista de los diez actores favoritos del público en el período que abarca de 1954 a 1958 y ocupó el primer puesto en 1956, año que coincide con dos de sus mayores éxitos hasta aquella fecha: La colina del adiós (Love is a many splendored thing), donde era un corresponsal americano que vive en Hong - Kong un apasionado idilio con la doctora euroasiática Jennifer Jones (1919 - 2009), y muy especialmente en Picnic, el filme que introdujo en el cine americano un nuevo concepto del héroe masculino.
Fotograma de "Picnic"
De hecho, el papel de Holden continuaba la tradición de los héroes de Brando: personajes inadaptados, inútiles para la sociedad, que se vuelven contra ella con una suerte de primitivismo basado en el culto a la fuerza y a la propia virilidad. Pero, además, en el ya no tan joven Holden de Picnic había algo del desengaño existencialista y un retorno a la figura del eterno vagabundo, antihéroes de la carretera que recordaban a los Kerouac (Jean-Louis Lebris de Kérouack, más conocido como Jack Kerouac, 1922 - 1969, novelista y poeta estadounidense, pionero de la generación beat). Irrumpiendo en una cotidianidad mediocre, este primitivo se convierte en un héroe legendario, un alegato a la libertad, que conquista fácilmente a la bella del lugar.
Picnic fue uno de los más potentes enfrentamientos eróticos de los años cincuenta. La relación con la bellísima Kim Novak (1933) -espectacular lanzamiento de la Columbia- se establecía a partir de la atracción física, potenciada a través del exhibicionismo de Holden.
Más allá de la propia obra teatral en que se basaba un retrato de costumbres, el Picnic de Joshua Logan (1908 - 1988) constituyó una intensa reflexión sobre el poder de la carne y convirtió a Holden en símbolo erótico, deseado también por una desesperada solterona, en gran interpretación de Rosalind Russell (1907 - 1976).
La foto de promoción de Picnic: un Holden descamisado y una Kim casi arrodillada en un intento de retenerle, marcó un hito en el cine americano; y la poderosa interpretación de Holden acalló las voces que le habían considerado demasiado mayor para el papel. (Siguiendo las exigencias de la censura, el actor tuvo que depilarse el torso en ésta y en cuantas ocasiones recurrió al exhibicionismo, al beefcake).
Se dijo por aquella época que Holden daba suerte a sus parejas femeninas: Grace Kelly obtuvo el Oscar y Jennifer Jones fue nominada al año siguiente. Pero la suerte no pareció acompañarle a él cuando apareció junto a la también “oscarizada” Deborah Kerr (1921 - 2007) en un drama de ambiente militar titulado Los héroes también lloran (The proud and the profane, 1956), que fue promocionada como una historia de fuertes pasiones. Aquel mismo año se hizo productor, imitando a varios de sus compañeros. Produjo e interpretó un drama sobre los pilotos de pruebas (Al borde del infierno, Toward the Unknown, 1956, de Mervyn Le Roy, 1900 - 1987), pero su fracaso comercial le apartó para siempre de la producción.
Se arrancó la espina con uno de los títulos más exitosos de todos los tiempos: El puente sobre el río Kwai (1957), de David Lean (1908 - 1991), y después, como uno de los hombres -el otro era Trevor Howard, 1913 - 1988- que comparten el amor de Sofía Loren (1934) en La Llave (1958), de Carol Reed (1906 - 1976). Siguió un potente drama ambientado en la guerra civil y que le enfrentaba a John Wayne (1907 - 1979), dirigidos ambos por John Ford (1894 - 1973), Misión de audaces (The Horse Soldiers, 1959). Completó su buena época una comedia romántica sobre el pintor que conoce a una hermosa prostituta china en Hong - Kong (El mundo de Suzie Wong, 1960, de Richard Quine (1920 - 1989).
Fotograma de "El puente sobre el río Kwai"
Fue junto a Clifton Webb (1889 - 1966), uno de los sacerdotes católicos que se enfrentan a las fuerzas comunistas cuando éstas intentan destruir su misión en China (Satanás nunca duerme, 1962, de Leo McCarey, 1898 - 1969) y estuvo excelente junto a Lilli Palmer (1914 - 1986) en una sólida historia de espionaje, Espía por mandato (The Counterfeit Traitor, 1967), de George Seaton (1911 - 1979). En cuanto a El león (1962), de Jack Cardiff (1914 - 2009), fue una de tantas aventuras de cazadores en la selva africana que sólo se recuerda a nivel anecdótico porque durante su rodaje Holden mantuvo un sonado idilio con su oponente femenina, la bellísima Capucine (Germaine Lefebvre, 1928 - 1990), con quien también interpretaría El séptimo amanecer (1964), aventuras situadas en Malaya djurante la Segunda Guerra Mundial.
William y Capucine
El tumultuoso idilio con Capucine provocó la ruptura entre Holden y su esposa, Brenda, de quien acabaría divorciándose en 1971. No fue con todo el único romance atribuido al actor. Años después se supo que había estado a punto de divorciarse anteriormente a causa de Audrey Hepburn, su pareja en Sabrina y Encuentro en París (Paris when it Sizzles, 1961). Miss Hepburn contaría que se negó a casarse con Holden porque no quería ser acusada de “rompehogares” y en especial porque él se había hecho practicar la vasectomía.
La decadencia
Durante la década de los sesenta Holden intervino todavía en algunos “westerns” de notable calidad, acompañado de excelentes actores de su generación que buscaban en aquel género un último refugio. Intervino junto a Richard Widmark (1914 - 2008) en Álvarez Kelly (1966), de Edward Dmytryk (1908 - 1999); junto a Robert Ryan (1909 - 1973) y Ernest Borgnine (1917 - 2012), en la extraordinaria Grupo Salvaje (1969), de Sam Peckinpah (1925 - 1984); y junto al juvenil Ryan O’Neal (1941 - 2023) en Dos hombres contra el Oeste (Wild rovers, 1971). La interpretación que Holden daba de un pistolero envejecido hacía pensar que se encontraba en su mejor momento, pero su nombre había perdido la fuerza de antaño, y en adelante sólo conocieron un éxito masivo los filmes en que aparecía rodeado por un gran reparto o potenciado por un tema sugerente. Este fue el caso de la aparatosa historia catastrofista El coloso en llamas (1974), y también el de Network, un mundo infame (1976) , de Sidney Lumet (1924 - 2011). Por su interpretación en éste último título obtuvo un segundo Oscar, si bien en el apartado de “actor secundario”.
Billy Wilder volvió a salvarle de la mediocridad dándole el papel del aventajado director de cine que recuerda la vida de una estrella mítica en Fedora (1978). Pese a que el filme pasó sin pena ni gloria por las taquillas, debido en especial a la equivocada elección de Marthe Keller (1945) para el papel estelar, se convertiría en un título de culto y una excelente muestra del estilo crepuscular de su autor, acaso un regreso nostálgico al tema de Sunset Boulevard.
La hora de su propio crepúsculo no cogió desprevenido a Holden. Durante años había sido uno de los actores mejor pagados de Hollywood, y en la década de los setenta poseía una considerable fortuna repartida en varios negocios de alcance internacional. Casado en segundas nupcias con la joven actriz Stephanie Powers (1942), alternaba su vida entre Suiza y Hollywood, donde poseía sendas mansiones.
William junto a Grace Kelly en "Los puentes de Toko-Ri"
Aunque siempre había declarado que no le gustaba actuar, y en realidad necesitaba hacerlo para vivir, aceptó sustituir a Gregory Peck (1916 - 2003) en La maldición de Damien (The Omen II, 1978), y al año siguiente participó en la aventura colonial Ashanti (Ébano, 1979), de Richard Fleischer (1916 - 2006). No añadieron nada a su gloria títulos como El día del fin del mundo (1980), de James Goldstone (1931 - 1999), y The Earthling (1980), de Peter Collinson (1936 - 1980), pero tuvo ocasión de participar en una memorable comedia negra de Blake Edwards (1922 - 2010) sobre los usos y abusos de Hollywood: SOB (Hijo de perra, 1981), más conocida por el inesperado destape de senos de la antigua Mary Poppins, Miss Julie Andrews (Julia Elizabeth Wells. 1935).
Este último filme le presentaba considerablemente envejecido. Era uno de los pocos actores de Hollywood que se habían resistido a someterse a la cirugía estética, razón ésta por la que le eligió Wilder para su papel en Fedora. Paralelamente a su degradación física, se supo que estaba enfermo de cáncer. En cualquier caso, la muerte se anticipó a la enfermedad, y lo hizo de manera misteriosa. El 16 de noviembre de 1981 el actor fue hallado muerto sobre un charco de sangre. Al parecer resbaló, dándose en la cabeza contra una mesa de cristal. También se dijo que su cuerpo había sido triturado por una anaconda. La autopsia reveló que había fallecido tres días antes y los análisis de sangre dieron como resultado un elevado coeficiente de alcoholismo.
Triste final para quien durante años fue uno de los más apuestos “rompecorazones” de la pantalla. 
NOTA FINAL
La próxima semblanza personal de Terenci Moix, corresponde al actor norteamericano GLENN FORD (Gwyllyn Samuel Newton Ford, Quebec -Canadá-, 1 de mayo de 1916 - Beverly Hills, California; 30 de agosto de 2006).
William Holden y su amigo Glenn Ford
El Padul (Granada) viernes 15 de mayo de 2026. El escritor y periodista “Terenci Moix” (seudónimo de Ramón Moix Meseguer, Barcelona, lunes 5 de enero de 1942 - Barcelona, martes 2 de abril de 2003)...  Terenci Moix … a principios de la década de 1990, comienza a escribir para la revista “Blanco y negro” (suplemento del fin de semana del diario ABC), el texto de los fascículos coleccionables de su extensa obra “LA GRAN HISTORIA DEL CINE”, en la que aborda de una forma muy personal, la semblanza de algunos de sus actores y actrices favoritos.  En éste Blog, dedicado a la Memoria y Recuerdo de Terenci, voy a recoger las semblanzas (publicadas entre el sábado 2 de febrero de 1991 y el sábado 30 de enero de 1992), que yo fui recopilando, semana a semana… y que, a partir de hoy, voy a dar publicidad en el Adarve…  Terenci Moix … Y, próximamente, voy a comenzar con la del actor norteamericano “WILLIAM HOLDEN” (William Franklin Beedle Jr., O’Fallon, Illinois, miércoles 17 de abril de 1918 - Los Ángeles, California, lunes 16 de noviembre de 1981).  William Holden |
AutorDedico éste Blog cinematográfico del Adarve, a mi padre, JOSÉ GÓMEZ GONZÁLEZ (1932 - 2025) gran aficionado al Séptimo Arte.... y, que, ya en mi más tierna infancia, supo transmitirme ese legado vital y cultural... a través de los vistosos "programas de mano" de las películas en exhibición en los cines de Motril y de Salobreña... y de los programas dobles, infantiles, dominicales y matinales, del salobreñero "YUSUF CINEMA"... 
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